Künstler/in
Geboren in Syracuse, Vereinigte Staaten
Eine Pionierin der kinetischen Bücher: Die Welt von Susan Joy Share
Die künstlerische Reise von Susan Joy Share ist ein Zeugnis für das grenzenlose Potenzial des bescheidenen Buches – sie verwandelt es von einem bloßen Speicher für Worte in eine dynamische, skulpturale Erfahrung. Geboren 1953 in Syracuse, New York, war ihr frühes Leben tief in der Kreativität verwurzlement, genährt durch eine Familie, die das praktische Schaffen und eine tiefe Wertschätzung für das Handwerk pflegte. Dieses Fundament legte den Grundstein für eine Künstlerin, die später unser Verständnis dessen, was ein Buch sein kann, neu definieren sollte, indem sie die Grenzen zwischen Kunstobjekt, Performance-Stück und architektonischer Struktur verwischte.
Shares formale künstlerische Ausbildung begann am New York State College of Ceramics der Alfred University, wo sie ihre Fähigkeiten in Keramik und Skulptur verfeinerte. Diese frühe Auseinandersetzung mit der dreidimensionalen Form erwies sich als entscheidend und prägte ihre späteren Erkundungen architektonischer Papierstrukturen – komplizierte, oft monumentale Kreationen, die traditionelle Vorstellungen von Buchdesign herausfordern. Sie setzte ihr Studium bei Professor John C. Wood fort, einer Schlüsselfigur, die ihre Leidenschaft für das Buch als Medium entfachte und sie in dessen reiche Geschichte sowie sein Potenzial für innovativen Ausdruck einführte. Diese Periode markierte einen bedeutenden Wandel, weg von rein skulpturalen Bestrebungen hin zu einer bewussten Auseinandersetzung mit den einzigartigen Qualitäten des gedruckten Wortes.
Vom Restaurator zur kinetischen Künstlerin
Nach ihrem Abschluss zog Share nach New York City, wo sie in die pulsierende Kunstszene eintauchte und gleichzeitig als Künstlerin und Restauratorin arbeitete. Diese Doppelrolle erwies sich als unschätzbar wertvoll, da sie ihr ein tiefes Verständnis sowohl für die Zerbrechlichkeit als auch für die dauerhafte Schönheit von Büchern vermittelte – ein Wissen, das sie später in ihre eigenen bahnbrechenden Kreationen übersetzen sollte. Über zwanzig Jahre lang arbeitete sie in renommierten Institutionen wie dem Metropolitan Museum of Art, der New York Historical Society und dem Brooklyn Museum, wo sie akribisch beschädigte Bände restaurierte und Schutzhüllen für wertvolle Artefakte konstruierte. Diese praktische Erfahrung mit historischen Texten pflanzte in ihr einen tiefen Respekt vor deren Materialität und Form ein.
Doch genau in dieser Zeit begann Share, mit der Transformation von Büchern in dynamische Objekte zu experimentieren – kinetische Skulpturen, die sich entfalteten, verschoben und verborgene Bedeutungsebenen preisgaben. Ihre frühen Performances an der Florida Atlantic University stellten diesen erfinderischen Ansatz unter Beweis und fesselten das Publikum mit komplizierten Bewegungen und spielerischen Interaktionen. Diese Darbietungen waren nicht bloß Vorführungen; sie waren Erkundungen des dem Buch innewohnenden Potenzials zur Transformation, die Shares eigene künstlerische Evolution widerspiegelten.
Die Sprache des Papiers: Strukturen und Performances
Shares Werk zeichnet sich durch eine bemerkenswerte Synthese verschiedenster Materialien aus – Papier, Metall, Fotografien, Textilien und Fäden –, die alle akribisch miteinander kombiniert werden, um komplexe architektonische Strukturen zu schaffen. Ihre Kreationen ähneln oft Miniaturstädten oder fantastischen Landschaften, die den Betrachter dazu einladen, ihre komplizierten Details zu erkunden und verborgene Erzählungen zu entdecken. Sie integriert häufig Elemente des japanischen Origami und der Jakobsleitern, was ihre Meisterschaft in der Papiertechnik und ihre Faszination für räumliche Beziehungen demonstriert.
Über statische Skulpturen hinaus ist Share für ihre immersiven Performances bekannt, die ihre Buchkunst nahtlos mit Bewegung und Klang verbinden. Diese Ereignisse sind oft kollaborativ und beziehen Tänzer, Musiker und Schauspieler ein, wodurch ein multisensorisches Erlebnis entsteht, das traditionelle Vorstellungen des Buches als passives Objekt infrage stellt. Ihre Performance im Jahr 1991 im Hotel Pennsylvania in Manhattan war beispielsweise ein Meilenstein, der große Menschenmengen anzog, die ihren innovativen Ansatz der Buchkunst miterleben wollten.
Vermächtnis und Anerkennung
Das Werk von Susan Joy Share hat in der zeitgenössischen Kunstwelt weitreichende Anerkennung gefunden. Ihre Kreationen befinden sich in bedeutenden Sammlungen, darunter das Anchorage Museum, das Jaffe Center for Book Arts der Florida Atlantic University Library und das Victoria and Albert Museum in London. Sie lehrt weiterhin an Institutionen in ganz Nordamerika, teilt ihr Wissen und inspiriert eine neue Generation von Künstlern. Ihre Ausstellung im Jahr 2018, InFormal Nature, zeigte ihre Fähigkeit, die Essenz der alaskischen Landschaft durch komplizierte Papierstrukturen einzufangen, was ihren Ruf als visionäre Künstlerin weiter festigte.
Mehr als nur eine Künstlerin ist Susan Joy Share eine Pionierin – eine Bildhauerin der Worte, eine Weberin von Geschichten und eine Verfechterin des dauerhaften Potenzials des Buches. Ihr Werk dient als kraftvolle Erinnerung daran, dass Kunst an den unerwartetsten Orten zu finden ist, indem sie alltägliche Objekte in außergewöhnliche Erfahrungen verwandelt.
Museum
Ausgestellt in Washington, D.C., Vereinigte Staaten von Amerika
Ein Refugium visionärer Rückgewinnung
Im Herzen von Washington, D.C., steht ein Monument einer stillen und doch tiefgreifenden Revolution. Das
National Museum of Women in the Arts
ist weit mehr als nur eine Sammlung schöner Objekte; es ist ein bewusster Akt der historischen Rückgewinnung. Über Jahrhunderte hinweg wurden die großen Erzählungen der Kunstgeschichte von jenen geschrieben, die die kreative Brillanz von Frauen oft übersahen und damit die Hälfte des künstlerischen Erbes der Menschheit im Schatten zurückließen. Das Museum entsprang dem Wunsch, dieses Ungleichgewicht zu korrigieren – eine Mission, die in den 1960er Jahren ihren Anfang nahm, als die Gründer Wallace und Wilhelmina Holladay erkannten, dass Meisterinnen wie Clara Peeters aus eben jenen Lehrbüchern getilgt wurden, die sie eigentlich feiern sollten. Heute dient die Institution als lebendiges Leuchtfeuer, das sicherstellt, dass die Stimmen von Künstlerinnen – über Kulturen und Epochen hinweg – mit Klarheit und Resonanz gehört werden.
Die physische Präsenz des Museums ist ebenso eindrucksvoll wie seine Mission. Untergebracht in einem prächtigen ehemaligen Freimaurertempel am New York Avenue, erzählt das Gebäude selbst eine Geschichte der Metamorphose. Ursprünglich 1908 im prachtvollen Stil der Neorenaissance vollendet, durchlief dieses historische Wahrzeichen eine umfassende, 66 Millionen Dollar teure Renovierung, um sich von einer Bruderschaftshalle in ein anspruchsvolles künstlerisches Heiligtum zu verwandeln. Für den Besucher fühlt es sich beim Betreten des Museums so an, als würde man einen Raum betreten, in dem Geschichte und Moderne aufeinandertreffen. Die Architektur, die im National Register of Historic Places der USA gelistet ist, bietet eine würdevolle, ehrfürchtige Kulisse, welche die darin befindlichen Kunstwerke veredelt. Seine weitläufigen Galerien sind nicht nur für die Ausstellung konzipiert, sondern um eine Atmosphäre der Kontemplation zu fördern, was das Museum zu einem unverzichtbaren Ziel für all jene macht, die die Schnittstelle von historischer Erhabenheit und zeitgenössischer kultureller Bedeutung schätzen.
Ein Wandteppich vielfältiger Ausdrucksformen
Durch die Sammlung zu wandern bedeutet, sich auf eine atemberaubende Reise durch Zeit und Emotion einzulassen. Das Museum stolz auf über 6.000 Kunstwerke, die das Spektrum vom 16. Jahrhundert bis zur Gegenwart abdecken und einen reichen Wandteppich menschlicher Erfahrung bieten. Man mag sich von den intimen, zarten Darstellungen des häuslichen Lebens in den Werken von
Mary Cassatt
berührt fühlen, nur um im nächsten Moment von den kühnen, rhythmischen Abstraktionen von
Alma Woodsey Thomas
erschüttert zu werden. Die Sammlung bietet einen tiefgründigen Dialog zwischen verschiedenen Epochen; die raffinierte, aristokratische Porträtkunst von
Élisabeth Louise Vigée-LeBrun
existiert Seite an Seite mit der rohen, politischen und zutiefst persönlichen Selbstporträtkunst von
Frida Kahlo
.
Diese Vielfalt macht das Museum zu einem Schatzhaus für Sammler und Designer gleichermaßen, da jedes Stück ein einzigartiges Gewicht von Identität und ästhetischer Kraft in sich trägt. Die Sammlung umfasst eine breite Palette an Medien und Stilen, darunter:
Zarte historische Ölgemälde, die das Nuancenspiel von Licht und Schatten einfangen.
Evokative Multimedia-Drucke, wie etwa jene von
Delita Martin
.
Zeitgenössische Werke von Künstlerinnen wie
Amy Sherald
, die die Brücke zwischen Tradition und moderner Identität schlagen.
Was das National Museum of Women in the Arts wahrhaftig auszeichnet, ist seine Rolle als lebendiger, atmender Katalysator für Veränderungen. Es blickt nicht bloß mit Nostalgie zurück; es blickt mit Intention nach vorn. Durch wegweisende Ausstellungen wie
Women Artists from Antwerp to Amsterdam
beleuchtet das Museum vergessene Perioden der Innovation, während seine laufenden Forschungsinitiativen in Archiven graben, um verlorene Erzählungen ans Licht zu bringen. Indem die Institution sowohl etablierte Ikonen als auch aufstrebende Talente fördert, schafft sie ein dynamisches Umfeld, in dem Geschlechteridentität, soziale Gerechtigkeit und künstlerischer Ausdruck ständig hinterfragt werden. Es bleibt eine lebenswichtige Erinnerung daran, dass die Kunstgeschichte nur dann vollständig ist, wenn jeder Stimme ihr rechtmäßiger Platz im Licht gegeben wird.
