Künstler/in
Geboren in Florenz, Italien
Das Leben von Sandro Botticelli
Sandro Botticelli verbrachte sein gesamtes Leben in den engen, belebten Gassen von Florenz, Italien. Geboren als Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi um das Jahr 1445, war er der Sohn eines Gerber. Seine Familie lebte im Viertel Ognissanti, einem Ort, der ihm über all seine Jahre hinweg naheblieb. Schließlich wurde er unter dem Namen Botticelli bekannt – ein Beiname, der sich vom Wort botticello ableitet, was so viel wie kleines Weinfass oder kleines Fass bedeutet.
Seine Präsenz in der Stadt war beständig. Jahrzehntelang atmete er die florentinische Luft, von seiner frühen Ausbildung bis zu seinem Tod am 17. Mai 1510. Sein Schaffen entfaltete sich während der Frührenaissance, einer Ära, in der die Stadt ein Zentrum intensiver kreativer Energie war. Er war ein italienischer Maler, der sein ganzes Geschick dem Holz und dem Putz seiner Heimatstadt widmete.
Sein Leben war untrennbar mit den lokalen Rhythmen von Handel und Glauben verwoben. Er war ein Mann der florentinischen Straßen, von seinen ersten Tagen als Lehrling bis in seine letzten Jahre. Seine Existenz wurde durch das Licht und die Schatten der italienischen Renaissance definiert.
Frühes Leben, Familie und Ausbildung
Geboren als Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, war er das jüngste von vier überlebenden Kindern. Sein Vater, Mariano Filipepi, war zunächst als Goldschmied und später als Gerber tätig. Dieser handwerkliche Hintergrund prägte vermutlich maßgeblich die Art und Weise, wie er sich später den feinen Details seiner Werke näherte. Bevor er seinen Weg in die Malerei fand, wird vermutet, dass er seine Ausbildung bei Maso Finiguerra, einem Goldschmied, begann. Diese frühe Begegnung mit der Präzision der Metallverarbeitung legte den Grundstein für die akribische Linienführung, die seinen unverwechselbaren Stil definieren sollte.
Um das Jahr 1460 trat er in die Werkstatt von Fra Filippo Lippi ein. Diese Lehrzeit stellte die bedeutendste Phase seiner künstlerischen Formung dar, in der er die spezifischen Techniken der Florentiner Schule erlernte. Er studierte die Kunst der Tafelmalerei sowie die Anwendung des Freskos. Über mehrere Jahre hinweg blieb er unter der Anleitung von Lippi, bevor er die Werkstatt vermutlich im April 1467 verließ. In diesen prägenden Jahren verinnerlichte er die Fähigkeit, intime Kompositionen zu schaffen und eine ganz eigene Art der Figurendarstellung zu entwickeln, die zugleich anmutig und von einer leisen Melancholie durchzogen wirkte.
Mäzene, Werkstatt und Aufträge
Die einflussreichen Kreise von Florenz lieferten den Großteil der Werke, die sein Atelier füllten. Er arbeitete eng mit der Familie Medici zusammen, darunter Lorenzo de' Medici und Giuliano de' Medici, deren Einfluss sein Berufsleben maßgeblich prägte. Über die Medici hinaus beauftragte die Familie Vespucci sein Fresko Heiliger Augustinus in seinem Studierzimmer. Sein Wirkungskreis erstreckte sich zudem auf die religiösen und bürgerlichen Zentren Italiens. In Rom wurde er von Papst Sixtus IV. eingeladen, Fresken für die Sixtinische Kapelle zu malen. Zurück in Florenz vollendete er die Anbetung der Magier für den Altar in der Grabkapelle von Gaspare di Zanobi del Lama.
Seine Werkstatt fungierte als ein Ort der Kontinuität und des geteilten handwerklichen Geschicks. Er nahm Filippino Lippi, den Sohn seines ehemaligen Lehrers, als Lehrling bei sich auf. Diese Verbindung hielt die Traditionen seiner Ausbildung in seinem eigenen Wirkungsbereich lebendig. Das Atelier war ein Ort stetiger Produktion, an dem die Anforderungen der Mäzene den Rhythmus des Tages bestimmten. Er bewegte sich zwischen den privaten Aufträgen wohlhabender Familien und den groß angelegten Anforderungen der Kirche und arbeitete dabei oft innerhalb der etablierten sozialen Strukturen der Stadt.
Künstlerische Technik und Stil
Seine Hand bewegte sich mit einer ganz eigenen, rhythmischen Anmut. Die Art und Weise, wie er Formen definiert, besitzt eine lyrische Qualität; er nutzt eine elegante Linearität und fließende Konturen, um das Auge des Betrachters über das Paneel zu führen. Oft begann er seine Kompositionen mit einer Silberstiftzeichnung – eine Methode, die eine stetige, kontrollierte Hand erfordert, um die erste Untermalung festzulegen. Diese Präzision ermöglichte es ihm, Schichten aus Tempera aufzutragen, die es ihm erlaubten, feinste Details wiederzugeben und eine klare, leuchtende Farbpalette beizubehalten. Dabei stützte er sich nicht auf schwere Schatten, um Form zu erzeugen; stattdessen nutzte er die Kraft der Linie selbst, um die Präsenz seiner Motive zu definieren.
Die von ihm gemalten Figuren besitzen eine ätherische Qualität. Sie zeichnen sich oft durch gelängte Proportionen und anmutige, fast gewichtslose Posen aus, die ein Gefühl von Bewegung suggerieren, ohne dass eine massive körperliche Schwere nötig wäre. Es gelang ihm, den dekorativen Einsatz der Linie mit den klassischen Traditionen seiner Zeit zu vereinen und so eine visuelle Sprache zu schaffen, die sich zugleich antik und einzigartig eigen wirkte. Dieser Ansatz erlaubte es ihm, komplexe mythologische Szenen mit einem Gefühl der Ruhe und eines poetischen Rhythmus darzustellen.
Die Geburt der Venus (ca. 1485)
Primavera (ca. 1482)
Anbetung der Magier (1475-1476)
Mystische Geburt (1501)
Hauptwerke und Meisterwerke
Die Geburt der Venus fängt den Moment ein, in dem eine Göttin aus einer Muschel emporsteigt – eine Szene, die die Ideale der Renaissance in ihrer reinsten Form der Schönheit verkörpert. In der Primavera hingegen wandelt sich das Thema hin zu einer komplexen und rätselhaften Feier des Frühlings und der Liebe, bevölkert von Gestalten aus der klassischen Mythologie. Diese Werke offenbaren eine tiefe Hingabe an die rhythmische Bewegung der Linien und die unvergleichliche Anmut der menschlichen Form.
In der frühen Phase seiner künstlerischen Laufbahn widmete sich sein Pinsel ganz anderen Sujets. So schuf er bereits vor Januar 1474 das Werk Heiliger Sebastian. Um das Jahr 1475 entstanden die Anbetung der Magier, ein Gemälde, das Mitglieder der Familie Medici sowie ein Selbstporträt des Künstlers in sich vereint. Mit dem Wandel seiner persönlichen Interessen veränderte sich auch der Tonfall seines Schaffens grundlegend. Die im Jahr 1501 entstandene Mystische Geburt spiegelt diesen tiefgreifenden Fokuswechsel eindrucksvoll wider.
Die Geburt der Venus
Primavera
Die Anbetung der Magier
Mystische Geburt
Heiliger Sebastian
Späte Jahre und spiritueller Wandel
Die 1490er Jahre brachten eine tiefgreifende Veränderung in der Art und Weise, wie Sandro Botticelli seine Leinwände gestaltete. Der ornamentale Charme, der seine frühen Jahre so prägte, begann allmählich zu verblassen. Er wandte sich von der dekorativen Anmut seiner Jugend ab und entschied sich stattdessen für einen schlichteren, fast asketischen Ansatz. Dieser Wandel war jedoch weit mehr als nur eine technische Neuerung; er war eine Reaktion auf die sich wandelnde Atmosphäre in Florenz. Er wurde einem Anhänger des Dominikanermönchs Savonarola, dessen leidenschaftliche Predigten die spirituelle Ausrichtung der Stadt maßgeblich beeinflussten. Diese Verbindung markierte eine Abkehr von den humanistischen Interessen, die zuvor seinen Pinsel geleitet hatten.
Seine Werke nahmen in dieser Zeit einen völlig neuen Charakter an. Den Figuren ging die rhythmische, fließende Qualität verloren, während sie sich stattdessen einem eher archaischen oder gotischen Stil zuwandten. Die Kompositionen wurden strenger und karger, was die wachsende spirituelle Intensität widerspiegelte. Diese Lebensphase zeigt einen Mann, der sich nach innen kehrte und die Leichtigkeit mythologischer Szenen gegen einen schwereren, religiösen Fokus eintauschte. Die Gemälde aus diesen Jahren tragen ein anderes Gewicht in sich; sie sind beraubt der einstigen Eleganz, zugunsten von etwas, das direkter und emotional aufgeladener wirkt.
Mystische Geburt (1501)
Vermächtnis und künstlerische Wiederentdeckung
Nach seinem Tod im Jahr 1510 geriet der Name Botticelli weitgehend aus dem öffentlichen Bewusstsein. Fast drei Jahrhunderte lang verweilten seine Gemälde in stillen Winkeln, überschattet von der gewaltigen Präsenz der Meister der Hochrenaissance. Seine charakteristischen, rhythmischen Linien und die besondere Art, mit der er Farbe einsetzte, wurden vom Staub der Geschichte bedeckt, vergessen von einer Welt, die sich auf andere Ideale von Form und Perspektive zubewegte.
Dieses Schweigen fand erst im späten 19. Jahrhundert ein Ende. Eine Gruppe, bekannt als die Präraffaeliten, begann den Blick zurückzuwerfen und suchte nach einer anderen Art von Klarheit. Sie fanden sie in seinem Werk. Sie fühlten sich von der Art und Weise angezogen, wie sich seine Figuren mit einer ganz eigenen, linearen Anmut bewegten, und von der spezifischen, leuchtenden Qualität seiner Farben. Dieses Interesse entfachte eine langsame, stetige Neubewertung seines Platzes in der Geschichte. Was einst verborgen geblieben war, begann wieder aufzutauchen und trat aus den Schatten der Vergessenheit zurück in das Licht der florentinischen Tradition.
Heute wird er als eine zentrale Figur der Frührenaissance anerkannt. Seine Fähigkeit, den klassischen Mythos mit einem Gefühl spiritueller Sehnsucht zu verschmelzen, bleibt ein wesentlicher Bestandteil seiner Identität. Sein Einfluss wirkt bis heute nach – in der Art und Weise, wie spätere Generationen die Schnittstelle zwischen Schönheit und Emotion interpretierten.
Wo man seine Werke heute bewundern kann
Beim Schlendern durch die prachtvollen Hallen der Galleria degli Uffizi in Florenz begegnet man seinen berühmtesten Sujets. Die Geburt der Venus und die Primavera nehmen hier ihren rechtmäßigen Platz ein, alongside der Anbetung der Heiligen Drei Könige. Diese Meisterwerke offenbaren auf eindrucksvolle Weise, wie er mit der Farbe spielte und wie sich seine Figuren mit einer fast tänzerischen Leichtigkeit durch einen Garten oder über eine Muschel bewegen.
Doch sein künstlerisches Erbe kennt keine Grenzen und erstreckt sich weit über die Grenzen Italiens hinaus. In Frankreich bewahrt das Musée du Petit Palais in Avignon eine Madonna mit Kind auf. Dieses Gemälde, das die Jungfrau Maria mit dem Jesuskind zeigt, ist eine stille, andächtige Szene, die tief in seiner frühen Ausbildung verwurzelt ist. In Berlin wiederum beherbergt die Gemäldegalerie seinen Heiligen Sebastian – ein Werk, das eine ganz besondere, fast meditative Ruhe in der Darstellung der Figur einfängt.
Die Geburt der Venus (Uffizi, Florenz)
Primavera (Uffizi, Florenz)
Anbetung der Heiligen Drei Könige (Uffizi, Florenz)
Heiliger Sebastian (Gemäldegalerie, Berlin)
Madonna mit Kind (Musée du Petit Palais, Avignon)
Museum
Ausgestellt in Florenz, Italien
Ursprung und Geschichte der Galerie
Die Geschichte der Galleria dell'Accademia di Firenze reicht weit zurück bis zur Accademia delle Arti del Disegno, einer Institution, die im Jahr 1563 von Cosimo I. de' Medici ins Leben gerufen wurde. Diese frühe Akademie legte das Fundament für das, was sich schließlich zu einem ganz der Kunst gewidmeten Ort für Studium und Bewahrung entwickeln sollte. Der Wandel hin zu der modernen Institution begann im Jahr 1784, als Pietro Leopoldo, der Großherzog von Toskanien, die Akademie neu organisierte. Dieser entscheidende Schritt verlagerte den Fokus auf die Bewahrung jener bedeutenden Kunstwerke, die über die Jahrhunderte hinweg in ihrer Obhut angesammelt worden waren.
Im Jahr 1873 erlebte die Institution eine tiefgreifende strukturelle Veränderung, als sie in zwei separate Bereiche aufgeteilt wurde. Diese Trennung half dabei, die unterschiedlichen Rollen von Lehre und Ausstellung klar zu definieren. Im Anschluss an diese Umstrukturierung wurde die heutige Galleria dell'Accademia im Jahr 1882 etabliert. Die Identität des Museums ist untrennbar mit dieser Entwicklung verbunden – einem Wandel von einer reinen Zeichenschule hin zu einem kostbaren Hort der bedeutendsten bildhauerischen und malerischen Errungenschaften der Stadt.
Dass bestimmte Meisterwerke heute in diesen Hallen zu bewundern sind, ist das Ergebnis jahrhundertelanger Sammlung und sorgfältiger Konservierung. Die Geschichte dieses Ortes ist geprägt von der Übernahme bedeutender Kunstschätze, wie etwa der folgenden:
David, 1501 - Michelangelo Buonarroti
Heiliger Matthäus, 1503 - Michelangelo Buonarroti
Sklave (Atlas), 1519 - Michelangelo Buonarroti
Das Gebäude und seine Architektur
Das Bauwerk nimmt eine bedeutende Präsenz in der Via Ricasoli 58-60 und der Via Ricasoli 58 in Florenz, Italien, ein. Es ist in einem ehemaligen Kloster untergebracht – ein Ort, an dem die Architektur eine tiefe Ruhe bewahrt hat. Die massiven Mauern und die prachtvollen Hallen schaffen eine ganz eigene, intime Atmosphäre für die darin befindlichen Kunstwerke. Diese Räumlichkeiten besitzen eine physische Schwere, die das Zusammenspiel von Stein und Pigment, das hier zur Schau gestellt wird, auf eindrucksvolle Weise ergänzt.
Der Standort befindet sich unmittelbar neben der Accademia di Belle Arti. Obwohl die beiden Institutionen im Stadtgefüge eng beieinander liegen, bleiben sie getrennte Einheiten ohne formelle Verbindung. Die Anordnung des Museums wird durch diese historischen Volumina bestimmt, die eine Abfolge von Räumen schaffen, welche das Auge sanft durch die Evolution der florentinischen Formführung führen.
Die Skulpturen von Michelangelo
Die Präsenz von Michelangelos David verleiht dem Raum eine ganz eigene, fast ehrfurchtgebietende Definition. Seit 1873 thront diese monumentale Figur in der Tribune, ein Meisterwerk, das im Jahr 1504 aus weißem Carrara-Marmor gehauen wurde. Der Stein trägt das ungeheure Gewicht der künstlerischen Intention in sich – eine physische Realität, die über alle Epochen hinweg Bestand hat. Es ist eine einzigartige Begegnung mit der schieren Größe und der unerbittlichen Präzision der Renaissance.
Ganz in der Nähe eröffnet der unvollendete Charakter bestimmter Werke einen völlig anderen Blick auf den schöpferischen Prozess. Die vier Gefangenen, die ursprünglich für das Grabmal von Papst Julius II. gedacht waren, scheinen teilweise aus ihren Marmorblöcken hervorzubrechen. Diese Figuren offenbaren, gemeinsam mit der unvollendeten Statue des Heiligen Matthäus, den rohen Kampf zwischen dem Bildhauer und dem Stein. Sie befinden sich in einem Zustand des Werdens; sie zeigen die Spuren der Meißel und die innere Spannung des Materials.
Die Sammlung umfasst zudem die Palestrina Pietà. Auch wenn ihre Zuschreibung an Michelangelo unter Experten nach wie vor Gegenstand hitziger Debatten ist, bleibt sie ein bedeutender Teil dieser skulpturalen Abfolge. Die Werke hier repräsentieren nicht bloß Ideen; sie besetzen den Raum mit einer greifbaren, schweren Beständigkeit.
Eine gewaltige Sammlung florentinischer Malerei
Die Galerie beherbergt eine der bedeutendsten Sammlungen antiker italienischer Gemälde, die es überhaupt gibt. Die Auswahl erstreckt sich von den 1300er Jahren bis in die frühen 1600er Jahre und zeichnet die Evolution des florentinischen Stils über mehrere Jahrhunderte hinweg nach. Innerhalb dieser Mauern wird der Übergang vom Mittelalter zur Renaissance in der Verschiebung von stilisierten Formen hin zu einem naturalistischeren Ansatz unmittelbar spürbar. Dieser Fortschritt wird durch eine umfangreiche Ansammlung von Goldgrundmalereien verankert, die aus dem 13. bis zum frühen 15. Jahrhundert stammen.
Die Präsenz von Werken von Paolo Uccello, Sandro Botticelli und Domenico Ghirlandaio vermittelt ein tiefes Verständnis für die technischen Wandlungen, die Florenz durchliefen. Diese Künstler repräsentieren unterschiedliche Phasen der künstlerischen Entwicklung der Stadt, von den frühen Experimenten mit der Perspektive bis hin zu den raffinierten Kompositionen der Hochrenaissance. Die Sammlung bleibt ein lebendiges Zeugnis dafür, wie Licht und Form von den Meistern jener Epoche verstanden wurden.
Die Jungfrau mit Kind und zwei Engeln sowie dem jungen Johannes dem Täufer, 1465 - Sandro Botticelli
Madonna des Meeres, 1477 - Sandro Botticelli
Kreuzabnahme, 1565 - Agnolo Bronzino
Verkündigung, 1603 - Alessandro Allori
Die Sammlung der Musikinstrumente
Die im Jahr 2001 eingeweihte Abteilung für Musikinstrumente eröffnet einen Ort der Stille, der zum Studium von Klang und höchster Handwerkskunst einlädt. Diese Sammlung hat ihre Wurzeln im Florentiner Konservatorium, bekannt als Conservatorio Luigi Cherubini. Sie vereint etwa fünfzig Instrumente, die einst Teil der Privatsammlungen der mächtigen Familien Medici und Lorena waren. Diese kostbaren Objekte bilden eine greifbare Verbindung zum einst so lebendigen musikalischen Treiben an den Florentiner Höfen.
Die Präsenz dieser Instrumente verleiht dem Fokus des Museums auf die bildenden Künste eine völlig neue, tiefgründige Dimension. Man findet hier die physischen Werkzeuge der Aufführung, gefertigt mit einer Präzision, die in ihrer Meisterschaft den Werken der Bildhauer und Maler in den anderen Sälen in nichts nachsteht. Das Holz und die Saiten dieser Stücke spiegeln die ästhetische Sensibilität der Jahrhunderte wider, die sie repräsentieren, und bleiben nun innerhalb der geschützten Mauern der Akademie bewahrt.
Die Gipsoteca und weitere Skulpturen
Die Gipsoteca eröffnet einen Ort der Stille, der ganz den Werken von Lorenzo Bartolini gewidmet ist – einem Bildhauer, dessen künstlerischer Einfluss den Übergang vom achtzehnten zum neunzehnten Jahrhundert maßgeblich prägte. Das Vorhandensein dieser Gipsabgüsse gewährt einen intimen Einblick in den unmittelbaren Schöpfungsprozess des Künstlers; sie halten die Formen fest, noch bevor sie in dauerhaftere Materialien übertragen wurden. Ergänzt wird diese Sammlung durch Arbeiten von Luigi Pampaloni, einem Schüler, der das künstlerische Erbe Bartolinis mit Leben erfüllte.
In der Sala del Colosso wandelt sich die Atmosphäre hin zur Ära des Manierismus. Hier findet man das originale, lebensgroße Gipsmodell des Ratto delle Sabine von Giambologna und Jean De Boulogne. Dieses zwischen 1574 und 1580 geschaffene Werk existiert in seinem rohen, weißen Zustand und offenbart die filigranen Details der drei Figuren, noch bevor die endgültige Meißelarbeit im Marmor vollzogen wurde. Das monumentale Ausmaß des Modells ermöglicht eine unmittelbare Begegnung mit der ursprünglichen Intention des Künstlers und der physischen Realität der Komposition.
Meisterwerke der Kunstsammlung
Die Präsenz von Michelangelos David in der Tribune beherrscht den gesamten Raum. Mit einer imposanten Höhe von über fünf Metern besitzt die Marmorfigur eine entschlossene Stirn und eine akribisch ausgearbeitete Muskulatur, die die immense Kraft offenbart, die im Stein wohnt. Der Blick der Skulptur scheint die Luft förmlich zu durchdringen – eine physische Manifestation des florentinischen Geistes und des menschlichen Potenzials. In unmittelbarer Nähe gewähren die unvollendeten Gefangenen einen rohen Einblick in den kreativen Prozess; sie zeigen Gestalten, die noch immer darum ringen, aus ihren groben Marmorblöcken hervorzutreten.
Die Gemäldesammlung wiederum öffnet ein Fenster in die Evolution des florentinischen Stils. Sandro Botticellis Anbetung der Könige ist eine bedeutende Erscheinung, die durch ein zartes Gleichgewicht zwischen Eleganz und Erzählkunst besticht. Das Werk nutzt Perspektive und Licht, um eine tiefe Räumlichkeit innerhalb der Szene zu erschaffen. In einem anderen Raum demonstriert Andrea del Sarto mit seiner Madonna della Verna eine Meisterschaft des Lichts und der Farbe, wobei er subtile Tonabstufungen und die Technik des Chiaroscuro einsetzt, um Volumen und eine Atmosphäre stiller Kontemplation zu erzeugen.
Ältere Traditionen werden durch das Kruzifix (Florenz) von Giotto di Bondone repräsentiert, das um 1280 entstand. Dieses Werk markiert den Übergang zum Naturalismus und löst sich damit von den stilisierten Formen der Vergangenheit. Die Sammlung spannt den Bogen von diesen frühen gotischen Werken bis hin zur Hochrenaissance und fängt die Entwicklung des künstlerischen Denkens über die Jahrhunderte hinweg ein.
David, 1501 - Michelangelo Buonarroti
Anbetung der Könige - Sandro Botticelli
Madonna della Verna - Andrea del Sarto
Kruzifix (Florenz, um 1280 - Giotto di Bondone
Besuch: Was man zuerst sehen sollte
Die Präsenz von Michelangelos David in der Tribune fordert sofort die gesamte Aufmerksamkeit ein. Die über fünf Meter hohe Marmorfigur besitzt eine physische Wucht, die den Raum um sie herum förmlich definiert. Sie ist der zentrale Ankerpunkt des Museums, eine stille, kraftvolle Entität, die den Blick durch ihre schiere Größe und die Präzision ihrer Form magisch anzieht. Vor ihr zu stehen bedeutet, der berühmtesten Attraktion der Sammlung zu begegnen, in der der Stein eine Spannung zu bergen scheint, die weit über sein bloßes Material hinausgeht.
Ein Pfad durch das Museum führt weiter zur Galleria dei Prigioni, in der die vier Gefangenen von Michelangelo zu finden sind. Diese Figuren, die sich in einem unvollendeten Zustand befinden, bilden einen scharfen Kontrast zur polierten Perfektion des David. Es wirkt, als würden sie darum ringen, dem rohen Marmor zu entkommen, was dem Betrachter einen unmittelbaren Einblick in den Schöpfungsprozess gewährt. Nicht weit entfernt, in der Sala del Colosso, wird das lebensgroße Gips-Modello des Raub der Sabinerin von Giambologna präsentiert. Dieses 1574 geschaffene Werk zeigt die komplexe, sich windende Bewegung von drei Figuren, die in einem einzigen Materialblock eingefangen wurde.
Das Museum beherbergt zudem einen eigens gewidmeten Bereich für Musikinstrumente. Diese Sammlung umfasst Meisterwerke von Instrumentenbauern wie Stradivarius, Niccolò Amati und Bartolomeo Cristofori. Diese Objekte repräsentieren eine andere Form der Handwerkskunst, bei der die Kunstfertigkeit von Holz und Saite auf die Präzision des Klangs trifft.
David, 1501 - Michelangelo Buonarroti
Raub der Sabinerin, 1574 - 1580 - Giambologna
Gefangene, 1519 - Michelangelo Buonarroti
