Künstler/in
Geboren in Bracht, Deutschland
early life and training
hendrick goltzius (* januar oder februar 1558 in bracht, heute ortsteil von Brüggen im kreis viersen – bei venlo; † 29. dezember 1616 oder 1. januar 1617 in haarlem) war ein niederländischer maler, zeichner und kupferstecher. sein werk stand unter dem einfluss der durch die nachahmung italienischer meister hervorgerufenen manieristischen strömung, welche damals die holländische kunst beherrschte. gemäß a. hyatt mayor, goltzius "war der letzte professionelle engraver, der mit der autorität eines guten malers zeichnete und der letzte, der viele bilder für andere zu kopieren versuchte". seine familie zog nach duisburg, als er 3 jahre alt war, und nachdem er kunst auf glas unter seinem vater studierte, lernte er kupferstechern von dirck volkertszoon coornhert und dem austausch an der haarlemer akademie, der auch bartholomeus spranger, cornelis van haarlem und karel van mander angehörten. ab 1577 zog goltzius mit coornhert nach haarlem in die dutch republik und blieb dort für den rest seines lebens. er wurde außerdem von philip galle angestellt, um eine serie von drucken über die geschichte von lucretia zu gravieren. sein rechter hand war durch ein feuer als baby missgestaltet, was sich besonders gut zum halten des burin eignete. dieses einzigartige körperliche charakteristik ermöglichte ihm, einen beherrschenden schwung der linie zu meistern und machte seine gravüren somit hoch individuell. goltzius begann malerei mit vierzig jahren; einige seiner gemälde können im vienna gefunden werden. er führte auch ein paar chiaroscuro holzschnitte durch.
artistic career
in 1577, goltzius moved with coornhert to haarlem in the dutch republic, where he remained based for the rest of his life. he was also employed by philip galle to engrave a set of prints of the history of lucretia. goltzius had a malformed right hand from a fire when he was a baby, which turned out to be especially well-suited to holding the burin. this unique physical characteristic allowed him to master a commanding swing of line, making his engravings highly distinctive. goltzius brought to an unprecedented level the use of the "swelling line", where the burin is manipulated to make lines thicker or thinner to create a tonal effect from a distance. he began painting at the age of forty-two; some of his paintings can be found in vienna. he also executed a few chiaroscuro woodcuts.
technique and style
goltzius was a pioneer of the "dot and lozenge" technique, where dots are placed in the middle of lozenge-shaped spaces created by crosshatching to further refine tonal shading. his command of the burin is said to rival dürer, and he made engravings of bartholomeus spranger's paintings, thus increasing the fame of the latter – and his own. goltzius was a pioneer of the "dot and lozenge" technique, where dots are placed in the middle of lozenge-shaped spaces created by crosshatching to further refine tonal shading. his command of the burin is said to rival dürer, and he made engravings of bartholomeus spranger's paintings, thus increasing the fame of the latter – and his own.
public collections and legacy
most major print rooms will have a group of goltzius's many engravings, including the museum boijmans van beuningen, rijksmuseum amsterdam, and the metropolitan museum of art. his legacy can be seen in the works of other artists, such as jacques bellange, who was also a master of northern mannerist printmaking. goltzius's engravings and paintings continue to inspire art lovers and scholars alike, and his work can be found on AllPaintingsStore.com and in the wikipedia article dedicated to his life and work.
Museum
Ausgestellt in Los Angeles, Vereinigte Staaten von Amerika
Ursprung und Geschichte des Los Angeles County Museum of Art
Das Los Angeles County Museum of Art entstand aus einer Ära des tiefgreifenden Wandels innerhalb der Kulturlandschaft der Stadt. Es entsprang dem gemeinsamen Ehrgeiz von Edward W. Carter und Howard F. Ahmanson Sr., deren Vision maßgeblich die frühen Ausrichtungen der Institution prägte. Bevor es zu der heute bekannten, eigenständigen und rein auf die Kunst fokussierten Institution wurde, entwickelte sich das Museum aus dem Los Angeles Museum of History, Science and Art. Diese historische Linie verbindet den modernen Campus mit der langjährigen Tradition der Bewahrung der vielfältigen Geschichte dieser Region.
Im Jahr 1961 wurde das Los Angeles County Museum of Art gegründet, was eine Abkehr von seiner zuvor bestehenden, multidisziplinären Struktur markierte. Bis 1965 zog die Institution in ihren heutigen Komplex am Wilshire Boulevard um und etablierte sich als ein dedizierter Ort für das künstlerische Studium und die Betrachtung. Dieser Übergang ermöglichte eine spezialisiertere Konzentration auf die Evolution des kreativen Ausdrucks über Jahrtausende hinweg. Heute genießt das Museum das Privileg, das größte Kunstmuseum im Westen der Vereinigten Staaten zu sein.
Die Architektur des Museumsgeländes
Die Entstehung des Museums ist untrennbar mit der visionären Architektur von William Pereira verbunden. Dieser modernistische Campus wird durch hoch aufragende Glasfassaden und geometrische Formen definiert, die eine markante Präsenz in der Landschaft schaffen. Die Anordnung des Geländes hat sich durch mehrere bedeutende Erweiterungen stetig weiterentwickelt, wobei jede Ergänzung eine ganz eigene strukturelle Sprache zum Ensemble beiträgt. Das von Hardy Holzman Pfeiffer Associates entworfene Robert O. Anderson Building für die Kunst des 20. Jahrhunderts verleiht der Sammlung eine ganz spezifische räumliche Logik. In unmittelbarer Nähe bietet der von Bruce Goff gestaltete Pavilion für japanische Kunst einen völlig anderen architektonischen Rhythmus.
Materialität und Licht prägen die jüngeren Erweiterungen. Der von Renzo Piano entworfene Resnick Pavilion nutzt Konstruktionen aus Glas und Stein, um ein Gefühl von Beständigkeit zu erzeugen. Im Gegensatz dazu bietet das zeitgenössische Kunstmuseum the Broad einen hochdeckigen, säulenfreien Raum, der einen ungehinderten Blick auf die darin befindlichen Werke ermöglicht. Diese vielfältigen Strukturen erschaffen eine komplexe Umgebung, in der verschiedene Epochen des Designs harmonisch koexistieren.
Eine Vielfalt an Sammlungen
Die Bestände umfassen 6.000 Jahre künstlerischen Ausdrucks und beherbergen mehr als 150.000 Werke. Diese enorme Bandbreite ermöglicht eine stille Begegnung mit der Evolution der menschlichen Kreativität über unzählige Epochen hinweg. Die Sammlung europäischer Malerei nimmt einen bedeutenden Platz in den Hallen ein und bietet eine unmittelbare Konfrontation mit der Geschichte der westlichen Kunst. Ganz in der Nähe präsentiert die Sammlung asiatischer Kunst filigrane Skulpturen aus Japan und China, bei denen das Gewicht und die Form des Materials von jahrhundertealten Traditionen künden.
Die regionale Identität der Umgebung findet in den Sammlungen kalifornischer Kunst ihren Ausdruck. Diese Werke spiegeln den spezifischen Charakter der Landschaft und der Menschen dieser Region wider. Neben diesen historischen Schichten bewahrt das Museum eine substanzielle Präsenz in der modernen und zeitgenössischen Kunst, in der der Dialog zwischen Vergangenheit und Gegenwart beständig bleibt. Die physische Präsenz dieser Objekte erschafft eine kontinuierliche Zeitlinie des menschlichen Denkens und der visuellen Sprache.
Magdalen mit der brennenden Flamme, 1640
Weinende Kokosnüsse oder Kokosnuss-Tränen, 1951
Porträt von Jacopo (Giacomo) Dolfin, 1532
Jeannette I, 1913
Tokugawa Iemitsu bei der Audienz mit den Lords, 1875
Monumentaler Kopf von Jean d, 1971
Bedeutende Erwerbungen und Schenkungen
Das Fundament der Kunstsammlung wurde im Jahr 1918 mit der großzügigen Schenkung amerikanischer Gemälde gelegt. Dieser frühe Zustrom an Werken half dabei, einen ganz eigenen, der Schönen Künste gewidmeten Raum innerhalb der Institution zu etablieren. Später brachte die Balch-Sammlung eine bedeutende Präsenz niederländischer und flämischer Meisterwerke in die Hallen und lenkte den Fokus auf die technische Präzision dieser traditionsreichen Schulen.
Die Präsenz Rembrandts in der Sammlung wuchs durch mehrere entscheidende Beiträge stetig an. Im Jahr 1953 schenkte J. Paul Getty das im Jahr 1632 entstandene Portrait of Marten Looten. Darauf folgte 1969 der Erwerb des Portrait of Dirck Jansz. Pesser, der von Armand Hammer bereitgestellt wurde. Die Ahmanson Company steuerte 1972 das Werk Raising of Lazarus bei und stärkte damit die Bestände des niederländischen Meisters nochmals maßgeblich.
Ausstellungen und öffentliche Kunst
Das Gelände des Museums erstreckt sich weit über die inneren Galerien hinaus und umfasst bedeutende Installationen im Freien. Direkt an den Vordertoren findet man die Installation Urban Light, in der 202 restaurierte, antike Straßenlaternen zu einer leuchtenden Komposition angeordnet sind. Dieses Ensemble aus Licht und Metall verleiht dem Eingangsbereich eine beständige, fast schon magische Präsenz. Nicht weit davon entfernt ruht der als Levitated Mass bekannte, 340 Tonnen schwere Felsblock von Michael Heizer über einem 456 Fuß langen Betonpfad. Das immense Gewicht und die monumentale Skala des Steins erzeugen eine ganz eigene Schwerkraft innerhalb der Landschaft.
Das kulturelle Programm des Museums bewegt sich dabei häufig im Wechselspiel zwischen dem Visuellen und dem Auditiven. Die Institution veranstaltet Film- und Konzertreihen, die die weitläufigen Räume des Campus auf besondere Weise nutzen. Auch Sonderausstellungen bringen zeitgenössische Themen in die Galerien, wie etwa die Porträts von Obama. Diese wechselnden Präsentationen sorgen dafür, dass die Atmosphäre des Hauses in einem ständigen, lebendigen Wandel bleibt.
Jüngste Projekte und zukünftige Entwicklungen
Der Campus befindet sich derzeit in einem Prozess des tiefgreifenden Wandels. Ein Entwurf des Architekten Rem Koolhaas schlägt die Erschaffung einer einzigen, mit Zeltdächern überspannten Struktur vor, um die räumliche Logik des Geländes grundlegend neu zu definieren. Diese Vision strebt danach, die Art und Weise, wie die Institution ihren Platz innerhalb der Stadt einnimmt, neu zu gestalten. Die architektonische Evolution schreitet unaufhörlich voran, während sich das Museum kontinuierlich an neue bauliche Anforderungen und die Bedürfnisse der Moderne anpasst.
Im April 2026 wurden die David Geffen Galleries für die Öffentlichkeit eröffnet. Diese Räumlichkeiten wurden von Peter Zumthor entworfen. Die Präsenz dieser neuen Galerien fügt der bestehenden Architekturlandschaft eine zeitgenössische Ebene hinzu. Sie bieten eine ganz eigene Art, den in der Institution beheimateten Werken zu begegnen, indem sie eine kontrollierte Umgebung für die Betrachtung der Kunst schaffen.
