Ophavsret Dette værk er i det offentlige domæne. Simone Cantarini døde i 1648; ophavsretten varer 70 år efter kunstnerens død, så den udløb i 1718.
I kontekst
The holy trinity — Simone Cantarini
Øverste række: årene. Nederste række: kunstnerens alder ved begyndelsen og slutningen af hver periode — 0 ved fødsel, 36 ved død.
Skyggelagt: Simone Cantarini' livstid (1612–1648) hvert dateret maleri, årti for årti
Første værker: frem til 1630 Primære arbejdsår: 1630–1650 Senere værker: fra 1650
Disse tre intervaller opdeler de værker i denne katalog, der er dateret, i et første kvartal, en midterste halvdel og et sidste kvartal. De udgør ikke kunstnerens samlede produktion: en tynd periode kan være et hul i dokumentationen snarere end en stille periode. De samme år, som kunstnerens liv er vævet ind i dem
Der findes ikke et præcist årstal for denne indspilning i arkivet — baseret på kunstnerens levetid og værkets stil, hvilket årti ville du så gætte på?
Vælg et af de ovenstående værker: nævn to ting, det har til fælles med dette, og én ting, der er forskellig.
Se flere lignende værker her: originaluniqueart.com/da/art/similar/simone-cantarini-the-holy-trinity-A2ACFF-en/
Målt ud fra billedet
Primær farve
Walnut #653216
Katalogiseret palet
Disse farver i kunstnerens samlede palet Find andre malerier efter farve
De ti førende lande
Find de tre mørkeste lande på kortet. Findes det museum, der opbevarer dette maleri, i et af dem? Skriv én grund på, hvorfor folk langt væk måske ville se på det.
Sammen udgør disse værker 100,0% af den samlede opmærksomhed, som denne kunstners malerier har modtaget i løbet af de sidste tolv måneder. Kataloget indeholder 28 værker af denne kunstner, hvoraf 12 er blevet set mindst én gang. Dette maleri rangerer som nummer 11, med 5,9% af den opmærksomhed (100 besøg). Det samme gælder måned for måned
Søjlerne måler opmærksomhed, ikke kvalitet. Vælg værket øverst og dette her: nævn én ting, der kan gøre et maleri berømt udover selve det tekniske håndværk.
Kunstner og museum
Født i Pesaro, Italien
Simone Cantarini, born in Pesaro in 1612 and tragically lost to mysterious circumstances in Mantua in 1648, remains a compelling figure within the Italian Baroque. Often referred to as Simone da Pesaro or il Pesarese, his brief but intensely productive career was marked by a remarkable ability to synthesize diverse artistic influences into a uniquely personal style. He wasn’t merely echoing the masters who came before him; he was actively engaging in a dialogue with them, forging a path that blended Bolognese classicism with the vibrant naturalism emerging from Venice and the dramatic intensity of Caravaggism. Cantarini's father, Girolamo, was a prosperous merchant, providing a stable foundation for his son’s artistic pursuits, though details of Simone’s early childhood remain scarce. What is clear is that he possessed an innate talent and a relentless drive to master his craft.
Cantarini's artistic journey began with likely tutelage under Giovanni Giacomo Pandolfi in Pesaro, absorbing the fundamentals of technique and the prevailing local aesthetic. However, it was a sojourn to Venice that truly broadened his horizons. There, he encountered the late-Mannerism of Sante Peranda and honed his draughtsmanship skills under Francesco Mingucci, immersing himself in the city’s rich artistic atmosphere. This Venetian exposure instilled within him an appreciation for color, texture, and dynamic composition – elements that would become hallmarks of his mature work. A pivotal period followed with Claudio Ridolfi, who guided Cantarini towards a deeper understanding of Venetian style and fostered an admiration for Federico Barocci's lyrical grace. Following Ridolfi’s departure, Cantarini embarked on a period of largely self-directed study, meticulously examining the works of the Carracci brothers, Orazio Gentileschi, and Giovanni Francesco Guerrieri. This independent exploration allowed him to refine his artistic vision and develop a distinctive voice. The turning point arrived with an encounter with Guido Reni’s Madonna and Child with Saints Thomas and Jerome in Pesaro Cathedral. Captivated by its elegance and spiritual depth, Cantarini traveled to Bologna around 1634 to study under the master himself. While he excelled within Reni's studio, particularly in etching, tensions arose due to his independent spirit and a growing critique of Reni’s later stylistic choices.
Cantarini quickly established himself as a painter of considerable skill and originality. Early masterpieces like St Peter Healing the Lame Man (Fano) already demonstrate the influence of Guido Reni, yet possess a burgeoning naturalism that sets them apart. Notable paintings such as The Immaculate Conception with Saints (Pinacoteca Nazionale di Bologna), Saint Rita of Cascia (Pesaro), and Allegory of Painting (National Museum, Warsaw) showcase his mastery of composition, color, and expressive figuration. His canvases are characterized by a dynamic interplay between classical form and dramatic realism, often imbued with a palpable sense of emotion. However, Cantarini’s contributions extend far beyond painting. He was an exceptionally gifted etcher, renowned for the delicacy and luminosity of his prints. He produced numerous etchings after works by Reni and others, but also created original compositions that demonstrate his technical virtuosity and artistic sensibility. These etchings played a significant role in disseminating his style and contributed to the development of printmaking techniques during the 17th century.
Simone Cantarini’s artistic legacy is one of innovation and synthesis. He carved out a unique space for himself within the Italian Baroque, blending diverse influences into a cohesive and compelling style. His ability to balance classical ideals with naturalistic observation, coupled with his exceptional etching skills, cemented his position as a significant figure in 17th-century art. However, his reputation was somewhat clouded by his contentious relationship with Guido Reni and reports of a scandalous death in Mantua – allegedly poisoned following a dispute over the Gonzaga collection. These stories, while adding an element of intrigue to his biography, should not overshadow his artistic achievements. While perhaps not as widely celebrated as some of his contemporaries, Cantarini’s work profoundly influenced later generations of Italian artists through its innovative style and technical mastery. He remains a testament to the power of individual vision and the enduring allure of Baroque art. His paintings and etchings continue to captivate viewers with their beauty, drama, and emotional depth, ensuring that his artistic voice will resonate for years to come.
Udstillet i Edinburgh, Storbritannien
Etableret i 1859 indtager Scottish National Gallery en central position på The Mound i Edinburgh, Storbritannien. Institutionen blev grundlagt med det formål at huse en national samling af skønkunst, en mission der har været uændret siden indvielsen. Galleriet administreres af National Galleries Scotland, som fører tilsyn med bevaringen og præsentationen af den omfattende samling.
Stedets oprindelse er tæt knyttet til udviklingen af Royal Institution for the Encouragement of the Fine Arts i Skotland. I de tidlige år blev bygningen delt mellem National Gallery og samlingen fra Royal Scottish Academy. Dette dobbelte formål betød, at rummet var opdelt på langs, hvor Royal Scottish Academy optog de østlige udstillingsgallerier, mens National Gallery var placeret mod vest. Denne ordning fortsatte, indtil Royal Scottish Academy flyttede i sin egen bygning i 1912.
Institutionen har udviklet sig i takt med nationens skiftende behov for sin kunstsamling. Selvom bygningens formål oprindeligt var delt, udvidede galleriet sig med tiden til at omfatte hele strukturen. I dag forbliver stedet et primært sted for studiet og beskuelsen af skotsk og europæisk kunst fra renæssancen og frem til det tidlige 20. århundrede.
Bygningen, som er tegnet af William Henry Playfair, følger de nyklassicistiske arkitektoniske principper. Dens struktur er modelleret efter formen af et antikt græsk tempel, hvor designet lægger vægt på en yndefuld symmetri og en følelse af afbalancerede proportioner, der løber gennem både facaden og de indre rum. Denne komposition er en direkte refleksion af de klassiske idealer om orden og stabilitet.
Stedets arkitektoniske sprog er defineret af specifikke klassiske ordener. Bygningen er opført i den ioniske orden, men den prydes også af imponerende korinthiske søjler. Disse elementer bidrager væsentligt til bygningens formelle karakter. Brugen af lys og skygge i gallerierne er et bevidst designmæssigt greb, der har til hensigt at forstærke rummets højtidelighed.
Samlingen strækker sig fra begyndelsen af renæssancen og helt frem til det tidlige 20. århundrede. Den rummer både skotsk og international kunst, hvilket giver et fascinerende indblik i den europæiske kunstudvikling gennem flere århundreder. Værker fra den italienske renæssance udgør selve kernen i denne samling og lægger fundamentet for de senere kunstbevægelser, der er repræsenteret i gallerierne.
I samlingen finder man betydningsfulde eksempler på impressionistiske og postimpressionistiske værker. Disse mesterværker afspejler det skiftende fokus i europæisk kunst mod lys og atmosfære i løbet af det sene 19. århundrede. Store kunstnere som Claude Monet og Georges Seurat er repræsenteret gennem disse strømninger, side om side med de visionære værker af Vincent van Gogh og Sandro Botticelli.
Jomfruen der tilbeder det sovende Jesusbarn, 1485 - Sandro Botticelli
Høstmarker: Sneeffekt, 1891 - Claude Monet
La Luzerne, Saint-Denis, 1885 - Georges Seurat
Oliventræer, 1889 - Vincent Willem Van Gogh
Samlingens enorme bredde muliggør en direkte sammenligning mellem de formelle traditioner fra renæssancen og de mere moderne tilgange ved århundredskiftet. Denne kontinuitet i stil og teknik bevares gennem et nøje udvalgt galleri af værker fra forskellige epoker i europæisk historie.
Samlingen rummer betydningsfulde værker fra den italienske renæssance, herunder Titians Diana og Callisto. Dette værk udgør et centralt højdepunkt i galleriets besiddelser. Ved siden af disse tidligere traditioner huser institutionen vigtige eksempler fra den hollandske guldalder, såsom værker af Rembrandt van Rijn og Johannes Vermeer.
Skotsk kunst er repræsenteret gennem flere nøglefigurer. Sir Henry Raeburn er repræsenteret ved The Skating Minister, mens Sir Edwin Landseer er repræsenteret ved The Monarch of the Glen. Disse værker eksisterer side om side med et udvalg af impressionistiske og post-impressionistiske værker, herunder værker af Claude Monet og Edgar Degas.
En allegori over Det Gamle og Det Nye Testamente, omkring 1530 - Hans Holbein den Yngre
En kvinde i en seng, 1647 - Rembrandt van Rijn
Jomfruen, der tilbeder det sovende Jesusbarn, 1485 - Sandro Botticelli
En kvinde, der ammer et barn, 1894 - Pierre-Auguste Renoir
Montagne Sainte-Victoire, 1895 - Paul Cézanne
originaluniqueart.com/da/art/download/simone-cantarini-the-holy-trinity-A2ACFF-en/
For kunststuderende og forskere
The holy trinity — Simone Cantarini
Svar med dine egne ord. Der er ingen forkerte svar her – kun svar, som du kan forklare.
Skriv et kort afsnit om dette kunstværk. Brug fakta fra de tidligere dele af denne guide samt dine svar ovenfor.
Ophavsretsstatus for "The holy trinity" – i det offentlige domæne – ophavsretten er udløbet – følger af kunstnerens død i 1648.
"The holy trinity" af Simone Cantarini fremviser en Strong Color Unity farveharmoni.
Siden Besøgsstatistik for "The holy trinity" af Simone Cantarini præsenterer statistikker over offentlige besøg: månedlige besøg af dette kunstværk, en sammenligning med kunstnerens mest sete værker og hvor de besøgende kommer fra.
"The holy trinity" af Simone Cantarini forestiller: religious.
"The holy trinity" af Simone Cantarini er i det offentlige domæne – ophavsretten er udløbet. Denne status bestemmer, hvordan billedet af værket må reproduceres.