Kunstner
Født i Iowa City, United States
The Artistic Vision of Bernice Cross
Bernice Cross was an American painter and artist born in Iowa City, United States. Throughout a professional career spanning five decades, she developed a style characterized by a sense of fantasy, humor, and a deceptive simplicity. Her work often balanced realism with abstraction, frequently employing a youthful, whimsical spirit that appeared childlike yet remained sophisticated in its composition and use of color. Her subject matter included genre paintings of circus people, characters from fairy tales, still lifes of flower arrangements, and portraits. In her later years, her portraits often took on a dark, almost monochrome quality, depicting figures within dreamlike, grey environments.
Technically, Cross was an adventurous experimentalist. She explored various surface textures, sometimes leaving parts of the canvas bare or building up layers of pigment with a brush and knife, occasionally adding mica or sand to her works. In one notable instance, she departed from traditional canvas or board to create a painting on velvet. Her ability to organize elements and utilize color contrasts allowed her to create an integrated whole, maintaining a recognizable signature throughout her evolving body of work.
Exhibitions and Instruction
Cross was an active participant in the Washington, D.C. art scene, exhibiting her work in numerous solo and group shows at venues such as the Phillips Gallery, the Corcoran Gallery, and the Whyte Gallery. Her work has been featured in collections including the Smithsonian American Art Museum and the Phillips Collection. Beyond her own practice, she was a dedicated art instructor. She taught at several institutions, including the Phillips Art School, the Washington Workshop Art Center, and the YMCA of Washington, D.C., and she also provided instruction at Hood College and American University.
Museum
Udstillet i Washington, D.C., USA
Oprindelse og institutionens historie
The Phillips Collection opstod af et personligt ønske om at leve side om side med kunsten. Institutionen blev grundlagt af Duncan Phillips i 1921, da han transformerede sit familiehjem til et kunstgalleri. Beliggende i Washington D.C.'s Dupont Circle-kvarter blev denne private, ikke-statslige institution etableret for at fremme en direkte forbindelse mellem beskueren og den kreative ånd. Den bærer den ærefulde titel som Amerikas første museum dedikeret til moderne kunst.
I over hundrede år har samlingen udvidet sig gennem en dedikation til moderne og samtidskunst. Institutionens rødder er forankret i det hjemlige rum, hvor grænserne mellem en privat bolig og et offentligt galleri forbliver flydende. Denne unikke begyndelse formede en mission om at betragte kunsten som en levende tilstedeværelse snarere end et fjernt objekt for studier. Samlingen voksede gennem en spontan tilgang til opkøb, hvor nye værker ofte blev testet for at se, om de besad den nødvendige udholdenhed til at forblive en del af den permanente dialog.
Institutionens historie er præget af et fokus på den kunstneriske ekspressions evolution. Ved at gruppere værker efter deres æstetiske temperament, sporer samlingen en linje fra det nittende århundredes indflydelser ind i nutidens kompleksitet. Denne tilgang muliggjorde inklusionen af stemmer, som ofte blev overset af den etablerede kunstverden i det tidlige tyvende århundrede.
Bygningen og dens arkitektur
Beliggende i det historiske Dupont Circle-kvarter i Washington, D.C., er institutionen indhyllet i en oprindelig Georgian Revival-residens. Dette rum blev ikke opført som en offentlig institution, men sprang ud af Duncan Phillips' eget familiehjem. Denne hjemlige oprindelse er stadig selve kernen i atmosfæren, da galleriet indtager en del af selve boligen. Arkitekturen bevarer en følelse af intimitet og fastholder en karakter, der føles beboet snarere end institutionel. Det fungerer som et hjem for de skønne kunster, hvor grænserne mellem en privat bolig og et offentligt rum bevidst forbliver udviskede.
Strukturen er gennem årene blevet udvidet med stor omhu for at give plads til en voksende samling. Disse tilføjelser er blevet integreret med respekt for husets eksisterende skala, hvilket har undgået de overvældende proportioner, man ofte finder i større institutioner. Resultatet er en række rum, der opfordrer til stille eftertanke. Man kan finde sig selv stående foran et lærred i en atmosfære, der føles både personlig og afgrænset. Planløsningen faciliterer en dialog mellem arkitekturen og de værker, den rummer, hvilket sikrer, at miljøet forbliver et fristed for dem, der søger et direkte møde med kunsten.
Mesterværker i samlingen
Samlingen rummer næsten 6.000 værker, der tegner en ubrudt linje fra det nittende århundredes indflydelsesrige strømninger til modernismens store gennembrud. Pierre-Auguste Renoir’s Luncheon of the Boating Party, som blev erhvervet i 1923, udgør stadig en central og levende tilstedeværelse i gallerierne. Dette værk er en del af en betydningsfuld samling af impressionistiske og postimpressionistiske lærreder, der inkluderer mesterværker af Monet, Degas og Van Gogh. Med nærværet af både Cézanne og Courbet lægges et fundament for de mere radikale stilistiske skift, der følger i kølvandet på disse mestre.
Udviklingen af form og farve træder tydeligt frem i værkerne af Matisse, Picasso og Braque, kunstnere der repræsenterer bevægelsen mod abstraktion og farvens fulde frigørelse. En væsentlig milepæl i samlingens historie fandt sted i 1957 med købet af det første Mark Rothko-maleri, hvilket markerede et skift mod det æstetiske udtryk fra midten af det tyvende århundrede. Den evige dialog mellem disse vidt forskellige epoker opretholdes gennem den omhyggelige og kuraterede sammensætning af værker fra de største mestre.
Luncheon of the Boating Party, 1881
Dancers at the Barre 1, 1888
The Repentant Peter, 1600
The Red Sun, 1948
Le Moulin de la Galette, omkring 1886
St. Francis in Ecstasy
Udstillinger og forskning
Institutionen fungerer som en eksperimentel station, et sted hvor nye idéer testes gennem selve måden, værkerne er arrangeret på. I stedet for at fastholde statiske udstillinger, bliver gallerierne ofte omarrangeret for at facilitere nye samtaler mellem de udstillede genstande. Denne dynamik muliggør en konstant genovervejelse af, hvordan forskellige stilarter og epoker interagerer i det givne rum. Sideløbende med den permanente samling afholdes der særudstillinger, som tilbyder et skiftende perspektiv på den moderne kunsthistorie.
Midt i galleriernes foranderlige landskab findes en følelse af bestandighed, mest bemærkelsesværdigt i Rothko-salen. Denne permanente installation tilbyder et dedikeret rum til fordybelse, som står i kontrast til de roterende udstillinger. Ud over den visuelle oplevelse opretholder institutionen et engagement i lokalsamfundet gennem prisvindende uddannelsesprogrammer. Disse initiativer søger at skabe en dybere forbindelse mellem offentligheden og den kreative ånd, der findes inden for disse mure.
