Ophavsret Dette værk er i det offentlige domæne. George Fuller døde i 1884; ophavsretten varer 70 år efter kunstnerens død, så den udløb i 1954.
I kontekst
Violet — George Fuller
Originalen måler 91 × 79 cm (højde × bredde), vist her ved siden af en voksen person af gennemsnitlig højde.
Øverste række: årene. Nederste række: kunstnerens alder ved begyndelsen og slutningen af hver periode — 0 ved fødsel, 62 ved død.
Malet da kunstneren var 60 år gammel. Kunstneren blev 62 år gammel. 19 af de 26 daterede værker af denne kunstner i vores katalog er skabt tidligere.
Skyggelagt: George Fuller' livstid (1822–1884) ▲ dette værk, 1882 hvert dateret maleri, årti for årti
Første værker: frem til 1876 Primære arbejdsår: 1876–1882 Senere værker: fra 1882
Disse tre intervaller opdeler de værker i denne katalog, der er dateret, i et første kvartal, en midterste halvdel og et sidste kvartal. De udgør ikke kunstnerens samlede produktion: en tynd periode kan være et hul i dokumentationen snarere end en stille periode. De samme år, som kunstnerens liv er vævet ind i dem
Vælg et af de ovenstående værker: nævn to ting, det har til fælles med dette, og én ting, der er forskellig.
Se flere lignende værker her: originaluniqueart.com/da/art/similar/george-fuller-violet-D38NES-en/
Målt ud fra billedet
Primær farve
Phthalo Green #2e2922
Katalogiseret palet
Disse farver i kunstnerens samlede palet Find andre malerier efter farve
De ti førende lande
Find de tre mørkeste lande på kortet. Findes det museum, der opbevarer dette maleri, i et af dem? Skriv én grund på, hvorfor folk langt væk måske ville se på det.
Sammen udgør disse værker 100,0% af den samlede opmærksomhed, som denne kunstners malerier har modtaget i løbet af de sidste tolv måneder. Kataloget indeholder 35 værker af denne kunstner, hvoraf 2 er blevet set mindst én gang. Dette maleri er endnu ikke blevet vist i denne periode — det afslutter listen uden en rangering. Det samme gælder måned for måned
Søjlerne måler opmærksomhed, ikke kvalitet. Vælg værket øverst og dette her: nævn én ting, der kan gøre et maleri berømt udover selve det tekniske håndværk.
Kunstner og museum
Født i Deerfield, United States
George Fuller (1822-1884) wasn’t a name that immediately resonates within the halls of art history, yet his canvases hold a peculiar and enduring power. He was an American painter who carved out a distinctive niche for himself—a master of evocative portraits and scenes steeped in the quiet beauty of rural America, often imbued with a haunting sense of melancholy and the ethereal quality of dreams. His work, largely overlooked during his lifetime, now reveals itself as a significant contribution to 19th-century American art, particularly within the Boston Art Club and the broader context of Victorian sensibilities.
Born in Deerfield, Massachusetts, Fuller’s early life was marked by familial resistance to his artistic aspirations. His parents, farmers with traditional values, viewed painting as a frivolous pursuit. Despite this opposition, he pursued his passion relentlessly, beginning with formal training under Henry Kirke Brown in Boston and later honing his skills within the rigorous environment of the National Academy of Design in New York City. This period exposed him to established artistic conventions while simultaneously fueling his desire to develop a unique visual language.
Fuller’s career began as an itinerant portraitist, a common path for artists seeking recognition and sustenance. He traveled extensively throughout New England and the Midwest, capturing the likenesses of prominent figures – merchants, lawyers, and members of the local elite. These early portraits established his technical proficiency but hinted at a deeper yearning to explore broader themes and landscapes. Crucially, he also spent time in Illinois working on the construction of the railroad, an experience that profoundly shaped his perspective on the American frontier and its evolving relationship with nature.
Fuller’s most celebrated work centers around scenes of rural life—not the idealized pastoralism often depicted by his contemporaries, but a more nuanced and introspective portrayal. He frequently featured solitary figures – women gathering herbs, children playing in fields, or men resting after a day's labor – set against expansive landscapes rendered with a delicate sensitivity to light and atmosphere. These weren’t simply depictions of daily routines; they were imbued with a profound sense of loneliness, contemplation, and the passage of time.
His technique was characterized by a loose, expressive brushstroke—a hallmark of the Hudson River School painters but tempered by a distinctly personal style. Fuller favored muted color palettes – browns, greens, grays, and blues – to create a sense of atmospheric depth and mood. He skillfully employed light and shadow to evoke a dreamlike quality, blurring the boundaries between reality and imagination. His compositions often featured asymmetrical arrangements and unconventional perspectives, further contributing to the paintings’ unsettling yet captivating allure.
Notable works like The Gatherer of Simples (1878-83) exemplify this approach. The painting depicts a woman collecting herbs in a misty field, her face partially obscured by shadow, creating an aura of mystery and solitude. Similarly, Head, painted in 1880, is a study in psychological depth, capturing the subject’s inner thoughts and emotions through subtle shifts in expression and gesture.
Fuller's artistic development was shaped by a confluence of influences. The Hudson River School, with its emphasis on landscape painting and romantic ideals, undoubtedly played a role. However, he also drew inspiration from the Symbolist movement emerging in Europe—particularly the use of symbolism to convey deeper meanings and emotions. Furthermore, his time spent traveling through the American West exposed him to Native American cultures and landscapes, which subtly informed his artistic vision.
His work resonated within the Boston Art Club, a prominent institution that fostered a vibrant community of artists during the late 19th century. Fuller’s paintings were regularly exhibited at the club's annual shows, gaining him recognition among his peers and attracting the attention of collectors. The Victorian era, with its fascination with spirituality, melancholy, and the supernatural, provided fertile ground for Fuller’s introspective themes.
Despite not achieving widespread fame during his lifetime, George Fuller's work has gained increasing recognition in recent decades. His paintings are now appreciated for their evocative atmosphere, psychological depth, and subtle commentary on the human condition. He stands as a significant figure in American art history—a painter who captured the quiet beauty of rural America with a unique blend of technical skill and emotional sensitivity.
Fuller’s legacy extends beyond his individual paintings. His exploration of themes such as loneliness, contemplation, and the relationship between humanity and nature continues to resonate with contemporary viewers. His work serves as a poignant reminder of the power of art to evoke profound emotions and invite us to contemplate the mysteries of life.
Udstillet i Washington, USA
National Gallery of Art blev grundlagt som en privat institution i 1937 til det amerikanske folk. Fundamentet for museet blev lagt i kølvandet på en fælles resolution fra den amerikanske kongres. Institutionen blev udtænkt af Andrew W. Mellon, en bankmand fra Pittsburgh, der tjente som USA's finansminister fra 1921 til 1932. Mellon havde en vision om, at dette rum skulle fremme en dybere forbindelse til kunsten og skabe et sted, hvor offentligheden frit kunne møde betydningsfulde mesterværker.
Etableringen af galleriet var en bevidst indsats for at skabe et permanent hjem for kunsten i Washington, D.C. De første anskaffelser ankom i de tidlige 1930'ere og omfattede tyve et malerier fra Hermitage Museum i St. Petersburg. Disse tidlige værker bragte flere monumentale stykker kunst til hovedstaden, herunder:
Raphael’s Alba Madonna
Jan van Eyck’s Annunciation
Institutionens vækst blev drevet frem af Mellons private samling og betydelige midler. Gennem årtierne udvidede de omfattende samlinger sig takket være bidrag fra andre, herunder Paul Mellon, Ailsa Mellon Bruce og Chester Dale. Denne konstante udvikling har gjort det muligt for samlingen at udstikke en kunsthistorisk linje, der strækker sig fra middelalderen og helt frem til i dag.
Den fysiske tilstedeværelse af National Gallery of Art er defineret af en markant kontrast mellem to vidt forskellige arkitektoniske filosofier. West Building, tegnet af John Russell Pope, afspejler klassiske traditioner gennem sin neoklassiske stil. Dens marmorgulve og svimlende loftshøjder skaber en atmosfære af stilhed, hvor lyset strømmer ind gennem buede vinduer og oplyser de storslåede sale. Denne bygning er opført på det sted, hvor Baltimore and Potomac Railroad Station engang lå.
Som et brud med denne neoklassiske tyngde repræsenterer East Building ankomsten af modernismen. Denne fløj, som blev udtænkt af I.M. Pei og indviet i 1978, introducerer skarpe geometrier og marmoroverflader, der fanger lyset på helt nye måder. De to bygninger er fysisk forbundet via en underjordisk passage, en overgang der gøres endnu mere spektakulær af installationen Multiverse af Leo Villareal. Dette permanente lysværk benytter over 41.000 LED-noder til at kaste skiftende mønstre over et spænd på 200 fod.
Samlingerne tegner et panorama over udviklingen af vestlig kunst fra middelalderen og frem til i dag. Den permanente samling rummer over 160.000 malerier, tegninger, fotografier, skulpturer og nye medier, som er spredt ud over hele museets område, herunder en 6,1 dekar stor skulpturhave, der ligger i umiddelbar nærhed af gallerierne. Institutionen huser over 141.000 værker af vestlig kunst fordelt på de forskellige afdelinger.
Denne samling omfatter et vidt spænd af kunstbevægelser og tekniske tilgange. I West Building forbliver fokus på de historiske traditioner, mens East Building huser moderne og samtidskunst. Denne bredde muliggør en direkte sammenligning mellem forskellige epoker af visuelt udtryk. Tilstedeværelsen af storslåede kinetiske bevægelser, såsom Alexander Calders mobiler, skaber en fascinerende kontrast til de mere statiske, traditionelle former, man finder i andre sektioner.
De tunge, teksturerede penselstrøg hos Claude Monet
De dristige, farvedrevne kompositioner af Henri Matisse
Den indviklede, mønstrede symbolisme i værker af Gustav Klimt
Storslåede kinetiske bevægelser i Alexander Calders mobiler
Samlingen rummer betydningsfulde værker fra Renæssancen, herunder Raphaels Alba Madonna. Ikke langt herfra finder man Jan van Eycks Bebudelse. Disse malerier udgør selve fundamentet i institutionens omfattende samling. Leonardo da Vincis Ginevra de' Benci er en enestående skikkelse i gallerierne, da det er det eneste maleri af denne mester, der er på permanent offentlig udstilling her.
Samlingen strækker sig langt ind i det tyvende århundrede med værker, der udforsker både bevægelse og form. Museet huser den største mobile af Alexander Calder, en installation der skaber en kinetisk kontrast til de statiske oliemalerier, man finder i West Building. Det kuraterede udvalg afspejler en bred historisk spændvidde, der trækker linjer fra middelalderen og helt frem til i dag.
Ginevra de' Benci, omkring 1474
Alba Madonna, 1515
Bebudelse, 1435
Fundamentet for National Gallery of Art hviler på visionen fra Andrew W. Mellon. Som bankmand og amerikansk finansminister leverede Mellon både den betydelige kunstsamling og de nødvendige midler til opførelsen af institutionen. Hans tidlige bidrag var afgørende for udformningen af galleriets oprindelige beholdning. Blandt de første betydningsfulde erhvervelser var tyve et malerier fra Hermitage-museet i Sankt Petersborg, hvilket bragte værker som Raphael’s Alba Madonna og Jan van Eyck’s Annunciation til Washington.
Samlingen voksede gennem den fortsatte filantropi fra Mellon-familien og andre private samlere. Paul Mellon og Ailsa Mellon Bruce bidrog med værker, der udvidede samlingens rækkevidde. Disse tilføjelser hjalp institutionen med at bevæge sig fra dens skatte fra den tidlige renæssance mod det tyvende århundredes strukturelle udviklinger. Tilstedeværelsen af Chester Dale’s donationer berigede den permanente samling yderligere og tilføjede dybde til mangfoldigheden af stilarter og epoker, der er repræsenteret inden for disse mure.
Raphael, Alba Madonna
Jan van Eyck, Annunciation
originaluniqueart.com/da/art/download/george-fuller-violet-D38NES-en/
Se nærmere efter
Violet — George Fuller
Svar med dine egne ord. Der er ingen forkerte svar her – kun svar, som du kan forklare.
Skriv et kort afsnit om dette kunstværk. Brug fakta fra de tidligere dele af denne guide samt dine svar ovenfor.
Kunstneren bag "Violet" er George Fuller. Værket er katalogiseret under George Fullers navn.
Den oplevede lysstyrke i "Violet" af George Fuller er deep_shadow. Den kan tilpasses lyset i det tiltænkte rum.
Nej – kunstværket opbevares i udlandet. "Violet" findes i USA, mens George Fuller blev født i United States.