Kunstner
Født i Meschede, Tyskland
Tidligt liv, familie og uddannelse
Historien om August Macke begynder i den tyske by Meschede, hvor han blev født den 3. januar 1887. Han var den eneste søn af August Friedrich Hermann Macke, en entreprenør og amatørkunstner, og Maria Florentine. Hans barndom blev præget af de skiftende økonomiske kår i faderens virksomhed, hvilket førte familien til Köln og senere til Bonn. Allerede som lille dreng var trangen til visuelt udtryk tydelig; han brugte sine tidlige år på at skitsere og designe scenografier til skoleforestillinger, og fandt dermed en måde at oversætte sine omgivelser til papiret på, længe før han overhovedet trådte ind på et formelt akademi.
Hans formelle kunstneriske uddannelse tog for alvor fart, da han ankom til kunstakademiet i Düsseldorf, hvor han studerede fra 1904 til 1906. Under vejledning af Adolf Maennchen lærte han den traditionelle tekniks disciplin, men hans ånd syntes at tørste efter noget mere ekspansivt. Denne rastløshed førte ham til at søge yderligere viden gennem aftenskole hos Fritz Helmut Ehmke. Hans sult efter at forstå håndværket drev ham mod Berlin, hvor han studerede under den tyske maler Lovis Corinth. Disse år med intensiv træning lagde det tekniske fundament, som han senere ville bygge sit unikke visuelle sprog på, idet han bevægede sig væk fra de stramme rammer i sin tidlige undervisning mod en mere personlig måde at se verden på.
Den franske modernismes indflydelse
Parisergaderne udøvede en kraftfuld tiltrækningskraft på den unge kunstner og trak ham væk fra de traditionelle rammer, han var blevet formet i under sin uddannelse. Under sit første besøg i byen i 1907 blev han dybt bevæget af impressionisternes malerier. Han begyndte at efterligne deres tilgang og søgte at indfange lysets leg gennem subtilt plettede farver. Dette var ikke blot en flygtig interesse; han vendte tilbage til Paris med jævne mellemrum mellem 1907 og 1912, hvilket lod den franske hovedstads atmosfære omforme hans perception af lærredet.
Et transformativt øjeblik indtraf i 1912, da han mødte Robert Delaunay. Dette møde viste sig at være en åbenbaring, der fundamentalt ændrede retningen for hans arbejde. Han blev dybt påvirket af Delaunays kromatiske kubisme, en stil der fokuserede på farvens og lysets rytme. Denne tilgang, som ofte forbindes med orphismen, opmuntrede ham til at bevæge sig mod en mere dynamisk og ikke-repræsentativ måde at se på. Han begyndte at eksperimentere med brudte farveflader i et forsøg på at oversætte det moderne livs fornemmelser til et sprog af rent lys og form.
Medlemskab af Der Blaue Reiter
Mackes livsbane ændrede sig markant i 1909, da han ankom til München. Det var her, han mødte Franz Marc, et møde der skulle tænde gnisten til et dybt og varigt venskab. Denne forbindelse trak ham ind i en cirkel af tænkere og skabere, der søgte at bevæge sig ud over den rene efterligning af naturen. Ved 1911 var Macke blevet et ledende medlem af den indflydelsesrige ekspressionistiske gruppe kendt som Der Blaue Reiter. Han var ikke blot en deltager i bevægelsen; han var med til at forme dens selve ånd ved at bidrage til dens udstillinger og spredningen af dens radikale idéer.
Hans position i denne avantgardistiske cirkel blev styrket af hans tætte bånd til andre af tidens lysende skikkelser. Han delte et dybt bånd med Marc og Paul Klee, og i deres selskab fandt han en fælles stræben efter det spirituelle og det emotionelle. Selv mens han bevægede sig gennem modernismens skiftende landskaber, hjalp hans interaktioner med skikkelser som Robert Delaunay med at forfine hans unikke perspektiv. Hvor andre i gruppen ofte udforskede mørkere eller mere angstfyldte temaer, søgte Macke en følelse af harmoni og skønhed. Han betragtede verden og så et sted fyldt med lys og glæde, selvom Europas politiske skygger var begyndt at blive længere.
Kunstnerisk teknik og stil
August Macke søgte at indfange en scenes indre ånd snarere end blot tingenes overflade. Hans penselstrøg bevægede sig væk fra den objektive gengivelse af virkeligheden og valgte i stedet at udtrykke dybtliggende følelser og stemninger. For at opnå dette forvrængede han ofte både farve og form, så den fysiske verden bøjede sig efter hans emotionelle behov. Hans kompositioner lænede sig ofte op ad dristige farver og geometriske former, hvilket skabte en følelse af struktur midt i hans subjekters ekspressive foranderlighed. Han fandt en måde at væve den italienske futurismes dynamik ind i sine kompositioner på, hvilket besjælede hans scener med en følelse af bevægelse og moderne energi.
Denne stræben efter lys og farve nåede sit højdepunkt under hans rejser til Nordafrika. Hans tunesiske akvareller fra 1914 afslører en exceptionel beherskelse af farver, der indfanger regionens intense og skiftende lys. I disse værker synes pigmenterne at pulsere med et liv af sig selv, hvor de bevæger sig ud over den simple repræsentation mod en mere lysende, spirituel essens. Han malede ikke blot landskabet; han malede selve fornemmelsen af at være midt i det.
Türkisches Café
Market in Algiers
Værk og mesterværker
I takt med at hans kunstneriske vision modnedes, begyndte August Macke at indfange det moderne livs stille rytmer gennem et prisme af intense farver. I 1913 skabte han Woman in a Green Jacket, et værk der udstråler en særlig vitalitet gennem sin dristige palet og selvsikre penselstrøg. Hans fascination af samspillet mellem lys og urbanitet førte ham til at skabe Large Bright Shop Window, hvor han udforskede, hvordan lyset filtreres gennem glas. Han rettede ofte sit blik mod eksistensens enkle glæder, som det ses i Bathing girls with town in the backgraund, hvor han søgte at skildre en følelse af idyllisk ro gennem forenklede former.
Livets sidste periode, formet af hans rejser til Nordafrika, bragte en helt ny luminans til hans lærreder. Hans ophold i Tunesien resulterede i en række værker, som mange betragter som hans største bedrifter, mest bemærkelsesværdigt Türkisches Café. Denne periode frembragte også Market in Tunis, et værk der senere indbragte 4,1 millioner dollars (£2,86 millioner) ved en auktion i år 2000. Selv mens krigens skygger begyndte at lure, fortsatte han med at finde skønhed i de intime øjeblikke, som i The Couple at a Garden Table, der blev solgt for 2 millioner pund ved en Christie's auktion i 1997.
1913: Woman in a Green Jacket
1914: Market in Tunis
1914: The Couple at a Garden Table
De sidste år og den tragiske død
Året 1914 bragte et pludseligt skift i det lys, som Macke så passioneret søgte at indfange. I foråret rejste han til Tunis i Tunesien, ledsaget af Paul Klee og Louis Moilliet. Denne ekskursion gav ham mulighed for at opleve en helt anden form for solskin, hvilket satte et dybt præg på den luministiske tilgang, der kom til at definere hans sidste periode. Men da han vendte tilbage, mødte han et Europa, der var i færd med at styrte ud i kaos. I takt med at den første måned af Den Store Krig svandt ind, blev kunstneren uundgåeligt trukket ind i konfliktens mørke. Drevet af en følelse af pligt meldte han sig frivilligt til militærtjeneste.
Døden indtraf med en rystende hastighed. Allerede i det andet måned af Første Verdenskrig faldt Macke i kamp ved fronten i Frankrig. Han mistede livet nær Perthes-lès-Hurlus den 26. september 1914, kun 27 år gammel. Hans død indtraf netop på det tidspunkt, hvor hans kunstneriske sprog var ved at nå et nyt niveau af klarhed og lysstyrke. Det pludselige tab efterlod et tomrum i de tyske avantgarde-kredse og satte en brat stopper for en karriere, der var blevet defineret af en rastløs og søgende ånd.
Arv og indflydelse
Selvom hans tid i lyset var kort, er den indvirkning, August Macke efterlod på det tyvende århundredes store kunstbevægelser, fortsat dyb og mærkbar. Han sikrede sin plads i historien som en betydningsfuld skikkelse inden for ekspressionismen ved at tilbyde et perspektiv, der ofte søgte harmoni, hvor andre kun fandt disharmoni. Hans evne til at syntetisere samtidens radikale idéer til et personligt sprog sikrede, at hans vision ikke gik tabt i skyggerne fra Den Store Krig.
Tyngden af hans bidrag blev formelt anerkendt længe efter hans død, hvilket førte til etableringen af August Macke-prisen i 1959. Denne ære fortsætter med at hylde ånden i hans kreative udforskning. Selv i dag mærkes hans nærvær i den måde, hvorpå nutidige kunstnere fortsat udforsker de dybe forbindelser mellem farve og menneskelig emotion. Han lærte os, at lys og nuance kan tale om sjælens indre tilstand – en lære, der fortsat genlyder gennem årtierne.
Hvor man kan opleve værkerne i dag
For at vandre gennem de rum, hvor hans ånd stadig dvæler, kan man rejse til Bonn i Tyskland. Her står August Macke-Haus som et dedikeret fristed, der bevarer mindet om manden inden for de selvsamme mure, hvor han engang levede og arbejdede. Det var i dette hus, han fandt sit atelier, et rum der lod hans kreative energi blomstre, før krigens skygger greb ind. I nærheden findes også Kunstmuseum i Bonn, som huser hans malerier og sikrer, at hans vision forbliver tilgængelig for dem, der søger det lys, han så omhyggeligt indfangede.
Hans nærvær mærkes på tværs af mange grænser, båret frem i samlingerne hos store institutioner. I Köln huser Museum Ludwig hans værker, mens Museum Folkwang i Essen bevarer hans lærreder, så offentligheden kan betragte dem. Man kan også finde hans spor i Staatsgalerie Moderner Kunst i München, hvor hans farver fortsat taler fra rammerne. Selv i Zürich opretholder Kunsthaus Zürich en del af hans eftermæle ved at besidde malerier, der reflekterer hans unikke måde at se verden på.
Bathing girls with town in the backgraund (omkring 1913)
Woman in a Green Jacket (1913)
Landscape with Cows and Camel (1914)
Türkisches Café (1914)
Museum
Udstillet i Essen, Tyskland
Oprindelse og historie for Museum Folkwang
Historien om Museum Folkwang begynder med sammensmeltningen af to særskilte arvtagere. I 1902 grundlagde Karl Ernst Osthaus det private Folkwang Museum, en samling drevet af en specifik vision for moderne udtryk. Senere kom det Essener Kunstmuseum til, som var blevet stiftet i 1906. De to enheder blev forenet i 1922 og dannede den institution, som i dag eksisterer i Essen, Tyskland. Denne forening skabte en betydningsfuld samling med fokus på udviklingen i det 19. og 20. århundredes kunst.
Selve navnet bærer på en tyngde af urgammel betydning. Det henter sin kraft fra konceptet Fólkvangr, de dødes eng i nordisk mytologi, som bestyres af gudinden Freyja. Denne forbindelse til temaer om liv og erindring danner en stille kulisse for de værker, der opbevares i institutionen. Museet har længe fungeret som et rum, hvor udviklingen af moderne kunst kan iagttages gennem dets fysiske tilstedeværelse.
Institutionens fundament blev bygget på de private samleres stræben og historiens skiftende strømninger. Ved at bringe det Essener Kunstmuseum og Folkwang Museum sammen, blev stedet et centralt punkt for studiet af kunstneriske skift. Det forbliver et betydningsfuldt arkiv for dem, der er interesserede i modernismens fremgang gennem århundrederne.
Bygningen og dens arkitektur
Museum Folkwangs arkitektoniske nærvær er defineret af en dialog mellem epoker. Den oprindelige struktur, opført i 1902, udgør institutionens historiske fundament. Denne ældre bygning er blevet gennemtænkt udvidet gennem en betydelig tilbygning tegnet af David Chipperfield Architects. Denne tilføjelse, som åbnede i januar 2010, tilføjede 16.000 kvadratmeter til museets eksisterende fodaftryk.
Tilbygningen er karakteriseret ved en translucent facade konstrueret af genanvendte glasplader. Dette materialevalg gør det muligt for bygningen at interagere med det skiftende naturlige lys i Essen, Tyskland. Designet skaber en følelse af åbenhed, der integrerer den moderne volumen med den historiske arkitektur. Samspillet mellem beton og glas sikrer, at de nye rum føles forbundet med det oprindelige sted, samtidig med at de tilbyder den nødvendige skala til moderne udstillingsbehov.
Store samlinger og afdelinger
Museum Folkwangs besiddelser omfatter en betydelig bredde af kunst fra det 19. og 20. århundrede. Denne samling sporer den moderne ekspressions udvikling gennem en række forskellige medier, herunder et omfattende udvalg af tryk og tegninger. Ud over disse europæiske traditioner opretholder institutionen en samling af antik og ikke-europæisk kunst, hvilket giver et bredere perspektiv på menneskelig kreativitet på tværs af forskellige epoker og geografier.
En væsentlig del af museets identitet findes i dets specialiserede afdelinger. Den fotografiske samling er vokset til at omfatte mere end 50.000 fotografier, som dokumenterer den visuelle kultur gennem et enormt udvalg af linser og teknikker. Ved siden af dette huser Deutsche Plakat Museum omkring 340.000 plakater. Disse grafiske værker tilbyder en visuel krønike over politisk diskurs, økonomiske skift og kulturelle strømninger fra Weimarrepublikken til den kolde krig.
Deutsche Plakat Museum: ca. 340.000 plakater
Fotografisk samling: mere end 50.000 fotografier
Mesterværker i samlingen
At stå foran Frau vor untergehender Sonne er som at møde stilheden fra 1818. Caspar David Friedrich’s værker besidder en ro, der kræver en særlig form for tålmodighed. Ikke langt herfra fanges det tunge, rytmiske arbejde fra 1888 i Vincent Willem Van Goghs Quay with Men Unloading Sand Barges. Penselstrøgene her bærer en fysisk tyngde, en følelse af bevægelse og flid, som forbliver mærkbar selv i værkets stilstand.
Samlingen bevæger sig fra disse kontemplative landskaber ind i den strukturerede intensitet hos Paul Cézanne. Hans La carrière de Bibémus tilbyder en undersøgelse af form og geologisk nærvær. Dette fokus på struktur finder en anden, mere rastløs energi i de tyske ekspressionisters værker. Ernst Ludwig Kirchners Leaping Dancer indfanger en specifik, nervøs vitalitet, der definerer periodens skift mod følelsesmæssig umiddelbarhed.
Der findes også en dyb fornemmelse af det oprindelige i værkerne af Eugène Henri Paul Gauguin. Hans Contes Barbares, dateret omkring 1902, repræsenterer et brud med de foregående årtiers naturalisme. Tilstedeværelsen af disse værker skaber en dialog mellem observationen af den ydre verden og udtrykket for indre tilstande.
Nazitiden og kunstneriske udrensninger
Institutionens historie rummer et dybt og smertefuldt brud forårsaget af nazismens fremmarch. I denne mørke periode gennemførte regimet en systematisk udrensning af værker, der blev kategoriseret som "entartet kunst" eller degenereret kunst. Denne kampagne rettede sig mod en række forskellige bevægelser, herunder abstraktion, kubisme, ekspressionisme, surrealisme og impressionisme. I 1937 organiserede Joseph Goebbels en udstilling for at fremvise netop disse værker, som regimet havde stemplet som uacceptable. Museum Folkwang blev direkte ramt af disse politiske omvæltninger, hvilket resulterede i, at over 1.200 kunstværker blev fjernet fra museets samlinger.
Tabet af disse værker efterlod et betydeligt tomrum i museets historie. Blandt de kunstnere, hvis værker blev revet ud af samlingen, fandt man navne som Georges Braque, Paul Cézanne, Giorgio de Chirico, Henri-Edmond Cross, André Derain, Henri Matisse og Edvard Munch. Men udover fjernelsen af disse specifikke værker var omfanget af ødelæggelsen enormt. Naziregimet afbrændte omkring 5.000 kunstværker, som blev anset for at være usælgelige. Denne æra står tilbage som et tungt kapitel i museets fortælling – en tid, hvor den kunstneriske frihed blev kvalt af statslig ideologi.
