Autor
Narozen(a) v Bordeaux, Francie
Raný život, rodina a formování talentu
Narodil se 20. dubna 1840 ve Bordeaux v Aquitánii, ve Francii, jako Bertrand-Jean Redon. Chlapec, který se později proslavil pod jménem Odilon Redon, vstoupil do světa hluboce ovlivněného kořeny jeho rodiny. Jeho matka, Marie Guérin, byla francouzská kreolka z ostrova Île Bourbon, a právě z jejího jména si on později vybral svůj umělecký pseudonym. Už v raném věku bylo patrné jeho zvláštní vizuální nadání; ve deseti letech získal ve škole cenu za kresbu, což byl malý triumf naznačující citlivost, kterou bude později věnovat svému řemeslu.
Cesta k uměleckému životu však nebyla přímočará. Ačkoliv ve patnácti letech zahájil formální studia kresby, otcovská přání ho nejprve vtáhla do strukturovaného světa architektury. Tato snaha ho vedla až do Paříže, kde se v roce 1864 na krátkou dobu věnoval malířství pod vedením Jean-Léon Gérôme. Rigorózní požadavky architektury však neodpovídaly jeho temperamentu. Po neúspěšném pokusu o přijetí na École des Beaux-Arts se vrátil do svého rodného Bordeaux, aby našel jiný způsob vidění světa.
V klidu svého rodného regionu jeho ruce objevily nové textury. Začal se věnovat sochařství a postupně ovládl detailní, stínové umění leptání a litografie. Právě pod vedením Rodolphe Bresdin tyto technické dovednosti zakořenily, což mu poskytlo nástroje k průzkumu temnějších a nejednoznačnějších sfér lidské psychiky. Tato raná léta experimentování s čarou a kamenem položila základy pro vše, co následovalo.
Období monochromatických „noirs“
Průběh Redonova života se v roce 1870 nečekaně zlomil, když ho francouzsko-pruská válka povolala k službě v armádě. Toto období vojenské povinnosti přerušilo jeho budoucí uměleckou cestu, ale nemělo za cíle uhasit vize, které se v něm hluboce vbouřily. Po návratu se jeho pozornost obrátila k temnotám; až do svých padesátých let pracoval téměř výhradně v černobílé. Tyto vizionářské práce začal nazývat svými noirs – termín, který vystihl intenzivní a temnou povahu jeho průzkumů. Skrze tyto monochromatické studie se snažil dát tvar neviditelnému, vzdal se doslovného světa, aby našel jazyk čistého světla a stínů.
Jeho metoda byla stejně rozmanitá jako stvoření, která z nich vyvstávala. Ovládl umění litografie a používal uhlí k budování svých kompozic, přičemž často vrstvíval různé materiály, aby dosáhl specifické hloubky. Kombinoval vinné a olejované uhlí s doteky lisovaného uhlíku a černou kredkou, čímž vytvářel své jedinečné efekty. Tyto nástroje mu umožnily vykreslit noční scény a podivné, fantastické bytosti, které se zdály vyvstávat z vířící mlhy. Jeho ruce pracovaly s vědomou intenzitou; využíval tvrdost černé křídy k vykreslení obrysů forem proti měkčím, atmosférickým pasážím uhlí. Výsledky nebyly pouhými kresbami, ale okny do soukromého, stínového království.
Guardian Spirit of the Waters, kolem roku 1878
The Crying Spider, 1881
Evoluce do barvy a symbolismu
S příchodem 90. let 20. století se do Redonova ateliéru začalo prolévat nové světlo. Těžké, monochromatické stíny jeho raných let ustoupily náhlému přijetí barvy. Umělec se obrátil k pastelám a olejům a v těchto médiích našel způsob, jak vyjádřit proměnlivé nálady lidské duše. Nebyl to pouze technický posun, ale hluboké rozšíření jeho vize. Odvedl se od surovosti svých studií v uhlu směrem k onírické abstrakci, kde se tvary zdály rozpouštet v záři světla a odstínech. Tento přechod mu zajistil místo v samotném srdci symbolistického hnutí, neboť se snažil dát tvar neuchopitelnému prostřednictvím barevného jazyka.
Tato nově objevená luminiscence byla hluboce ovlivněna příchodem japonského umění do Francie. Odilon Redon pocítil silné přitažení k estetice japonských drzewopresů; obdivoval jejich plochou perspektivu i odvahu jejich barev. Tato fascinace mu umožnila vstoupit ještě hlouběji do sféry sugestie namísto doslovného vykreslování. Jeho kompozice začaly odrážet tento východní vliv a propojovat pocit tajemnice s dekorativnější, éterickou kvalitou. Svět, který maloval, již nebyl místem pevných objektů, ale prostorem duchovní a emocionální rezonance.
Smrt Buddhy (1899)
Zelený jezdec (cca 1904)
Žlutý plachtář (cca 1905)
Zrození Venuše (cca 1910)
Klíčová díla a významné zakázky
Jak se Odilon Redon vzdaloval stínů svých raných let, jeho štětec našel nový směr díky patronátu lidí, kteří sdíleli jeho fascinaci tím neviditelným. Baron Robert de Domecy se stal významnou postavou této éry, když umělci pověřil zachycením podob své rodiny. Tyto portréty baronky a její dcery Jeanne umožnily Redonovi aplikovat svůj vyvíjející se smysl pro světlo na lidskou postavu a snažit se odhalit vnitřní život skrytý pod povrchem kůže.
Jeho představivost se často obracela k prastarým mýtům, které přetvářel skrze čtverobok snů a abstrakce. V jednom z jeho významných olejomalířských děl je zapsán mýtus o Polyphemovi a nymfě Galateei, známý jako Kyklop. Toto dílo zachycuje obraťáka, jak obrací své jediné oko k prostínavé mladé dívce, což je kompozice odrážející jeho schopnost propojit klasické námět s pocitem psychologické tajemnosti. Podobně jeho pastelové dílo z roku 1900, Portrét Marie Botkine, nás zve k bližšímu pohledu na tiché, introspektivní hloubky subjektu, vykreslené jemným, zářivým dotekem, který definuje jeho pozdější styl.
V jeho posledních letech se vliv východní estetiky stal ještě výraznějším, což vedlo k dílům přijímajícím více dekorativní a plochou perspektivu. Konec života, kolem roku 1916, přinesl vznik díla Velká kytice v japonské váze, což je kus, který demonstruje, jak se principy japonského umění staly hluboce zapleteny do jeho vizuálního jazyka. Toto pozdní dílo ukazuje umělce, který plně ovládl moc barvy k vyjádření toho, co je neuchopitelné.
Technika a umělecký styl
Odilon Redon se pohyboval světem umění jako výtvarník, grafik i malíř, vždy s neúnavným cílem podřídit logiku toho viditelného služebníkovi toho neviditelného. V jeho raných letech se zrodal hluboký jazyk stínů, když tvořil primárně v černobílé kuin. Ovládl umění litografie a využíval toto médium k dosažení jemných tónových přechodů, díky nimž světlo vyvstávalo z hluboké temnoty. Pro dosažení větší přesnosti často používal umělé černé křídy k vykreslení konkrétních kompozičních prvků přes široké, měkké plochy uhlu. Tato díla byla často popisována jako syntéza nočních můr a snů, ve kterých se hranice mezi fyzickým a představivým stíraly v neustálém pohybu.
Jak se jeho rukopis stával jistějším, měnil se i jeho přístup k textuře a světlu. Od těžkých, monochromatických hlubin svých raných studií v uhlu se posunul k využití pastel a olejů. Tento přechod mu umožnil prozkoumat jiný druh luminesence, přestože nikdy neztratil svou fascinaci podvědomím. I při práci s barvou si jeho kompozice často zachovávaly nádech tajemna, jako by se postavy vynášely spíše ze snu než z reálné krajiny. Schopnost manipulovat s různými médii mu umožnila přeložit ty nejulétlejší části lidské psychiky do podoby hmatatelných forem.
The Cyclops, kolem roku 1914
Portrait of Marie Botkine, 1900
The Death of Ophelia, 1905
Dědictví a vliv na moderní umění
Vlny Redonovy vize se šířily daleko za tiché pokoje symbolistických kvasivých kruhů a dotkly se samotných základů nastupujícího století. Tím, že obrátil svůj pohled dovnitř, aby vykreslil zvláštní, iracionální území podvědomí, připravil půdu pro surrealisty. Jeho schopnost dát tvar logice snů poskytla vzor pozdějším umělcům, jako byli Marcel Duchamp a Max Ernst, kteří usilovali o osvobození mysli od omezení rozumu. Redon nemal pouze scény; on vizualizoval neviditelné proudy lidské myšlenky a vytvářel most mezi viditelným světem a vnitřním psychickým procesem.
Tato fascinace subjektivní zkušeností a emocionální vahou toho neviditelného našla hlubokou rezonanci i u expresionistických malířů. Jeho dílo naznačovalo, že pravá podstata objektu nespočívá v tom, jak jej měří oko, ale v tom, jak je vnímán skrze cítění. Vedle jeho pláten a pastelů zůstává hlubokým úspěchem především jeho grafika. Jeho litografie a kresby uhlem, tyto stínové průzkumy temna a tajemna, jsou považovány za jedny z nejinovativnějších úspěchů devatenáctého století v oblasti grafického umění. Ovládl jemné tónové přechody, kterými naznačoval světy působící zároveň prastarým dojmem i zcela nově.
Kyklop, kolem roku 1914
Smrt Ofélie, 1905
Zrození Venuše, 1910
Kde dnes spatřit jeho díla
Abychom se mohli dotknout stop jeho neuvěřitelné představivosti, musíme vyrazit na cestu do velkých národních pokladnic evropského umění. V Paříži hostí Musée d'Orsay několik jeho děl, která nám nabízejí fascinující pohled na evoluci jeho vizuální vize. Ti, kteří hledají jeho pozdější, barevnější a hlubší průzkumy, by se měli vydat do New Yorku, kde Museum of Modern Art uchovává několik kusů odrážejících jeho posun k éterické a světelné estetice.
Dosah jeho vlivu přesahuje hranice kontinentů a jeho díla nacházejí domov v nejrůznějších sbírkách po celém světě. V Nizozemsku sídlí Kröller-Müller Museum, v jehož sbírkách září Kyklop, dílo zachycující mytologické a snové kvality jeho středního a pozdního období tvorby. Mezitím na druhém boku Atlantiku, v Los Angeles, pečuje J. Paul Getty Museum o portrét baronky de Domecy, což je dílo, které svědčí o osobních vztazích a zakázkách, jež formovovaly jeho život i uměleckou dráhu.
Kyklop, Kröller-Müller Museum, Otterlo
Portrét baronky de Domecy, J. Paul Getty Museum, Los Angeles
Muzeum
Vystaveno v Paříž, Francie
Historie Musée d'Orsay
Musée d'Orsay se nachází na levém břehu Seiny v Paříži, ve Francii. Tato stavba byla původně postavena jako Gare d'Orsay, železniční nádraží vybudované v letech 1898 až 1900. Její primárním účelem bylo obsluhovat trať Chemin de Fer de Paris à Orléans. Po několik desetiletí sloužila tato impozózní konstrukce jako terminál pro parní lokomotivy, než došlo k její budoucí proměně.
Po rozsáhlé rekonstrukci interiéru byl tento prostor transformován na muzeum. Prezident François Mitterrand oficiálně otevřel tuto instituci v prosinci 1986. Dnes se jedná o jedno z největších uměleckých muzeí v Evropě. Jeho sbírka se zaměřuje především na francouzské umění vytvořené v období mezi lety 1848 a 1914.
Architektura bývalého nádraží
Tato stavba vznikla jako Gare d’Orsay, nádraží v národním stylu Beaux-Arts, které navrhli architekti Lucien Magne, Émile Bénard a Victor Laloux. Její kostra byla vybudována v letech 1898 až 1900, aby sloužila jako terminál pro parní lokomotivy společnosti Chemin de Fer de Paris à Orléans. Průmyslové základy tohoto nádraží, definované vz soaringem železných konstrukcí a rozlehlými skleněnými stropy, byly později přetvořeny tak, aby se staly domovem pro umění. Tento fascinující proces transformace řídil architektonický tým, ve kterém čelili Pierre Colboc, Renaud Bardon a Jean-Paul Philippon, zatímco samotnou vnitřní organizaci prostoru následně navrhla italská architektka Gae Aulenti.
Prostorová logika muzea úzce vychází z původního půdorysu nádraží. Konstrukce centrální návesní části rozděluje obrovské prostory pro sochy a galerie, čímž v těchto monumentálních objemech vytváří pocit řádu a harmonie. Pod skleněnou podlahou je pak zachycen model oblasti Pařížské opery v měřítku 1:100, který nabízí hmatatelnou vazbu na městskou historii tohoto místa. Celý design si zachovává spojení s dřívější funkcí budovy, a přesto dokáže mistrovsky adaptovat kámen i železo pro jeho současný, umělecký účel.
Sbírka impresionistických mistrovských děl
Musée d'Orsay pohospodářuje největší existující soubor impresionistických a postimpresionistických děl na světě. Tato fascinující sbírka zahrnuje období od roku 1848 do roku 1914 a zahrnuje nejen malby a sochy, ale i nábytek, fotografii a architekturu. Ačkoliv celkový fond obsahuje přes 3 650 děl, 2 300 z nich je vystaveno jako trvalá součást galerií, které návštěvníky čekají v těchto majestátních prostorách.
Soudržnost sbírky se soustředí na éru přechodu k modernismu, který nastolili umělci jako Berthe Morisot, Claude Monet, Édouard Manet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul Cézanne, Georges Seurat, Alfred Sisley, Paul Gauguin a Vincent van Gogh. Tito tvůrci se odvážili opustit okna akademické tradice, aby mohli prozkoumat prchavost světla a hloubku atmosféry. Jejich díla odrážejí zásadní posun v vizuálním jazyku konce devatenáctého století.
Zlatý pramen, 1868 - Gustave Courbet
Červené střechy, 1877 - Camille Pissarro
Zjevení, 1874–1876 - Gustave Moreau
Moderní Olympia, 1873–1874 - Paul Cézanne
Žehnáčky, 1884–1886 - Edgar Degas
Významná díla sbírky
Tato sbírka v sobě nese zásadní díla vzniklá v polovině až v závěru devatenáctého století. Obraz Édouarda Maneta z roku 1863, Olympia, zůstává jedním z ústředních pilířů muzeálních fondů. V jeho blízkosti pak dílo Gustave'a Courbeta z roku 1866, Původ světa, představuje fascinující studii realismu. Součástí trvalé expozice muzea je také obraz Jean-Françoise Millet z roku 1859, Andělská modlitba.
Muzeum je domovem mnoha klíčových děl z období impresionismu i postimpresionismu. Mezi vyzdvihovaná díla v galeriích patří například obraz Berthe Morisot z roku 1872, Lidové kolebce. Další významnou součástí sbírky je Hvězdná noc nad Rodanem od Vincenta Willema van Gogha z roku 1888. Navíc v muzeu najdeme i Zjevení, což je vodová barva od Gustave'a Moreau, vytvořená v letech 1874 až 1876.
Zjevení, 1874-1876 - Gustave Moreau
Lidová kolébka, 1872 - Berthe Morisot
Původ světa, 1866 - Gustave Courbet
Olympia, 1863 - Édouard Manet
