Autor
Narozen(a) v Bordeaux, Francie
Raný život, rodina a formování talentu
Narodil se 20. dubna 1840 ve Bordeaux v Aquitánii, ve Francii, jako Bertrand-Jean Redon. Chlapec, který se později proslavil pod jménem Odilon Redon, vstoupil do světa hluboce ovlivněného kořeny jeho rodiny. Jeho matka, Marie Guérin, byla francouzská kreolka z ostrova Île Bourbon, a právě z jejího jména si on později vybral svůj umělecký pseudonym. Už v raném věku bylo patrné jeho zvláštní vizuální nadání; ve deseti letech získal ve škole cenu za kresbu, což byl malý triumf naznačující citlivost, kterou bude později věnovat svému řemeslu.
Cesta k uměleckému životu však nebyla přímočará. Ačkoliv ve patnácti letech zahájil formální studia kresby, otcovská přání ho nejprve vtáhla do strukturovaného světa architektury. Tato snaha ho vedla až do Paříže, kde se v roce 1864 na krátkou dobu věnoval malířství pod vedením Jean-Léon Gérôme. Rigorózní požadavky architektury však neodpovídaly jeho temperamentu. Po neúspěšném pokusu o přijetí na École des Beaux-Arts se vrátil do svého rodného Bordeaux, aby našel jiný způsob vidění světa.
V klidu svého rodného regionu jeho ruce objevily nové textury. Začal se věnovat sochařství a postupně ovládl detailní, stínové umění leptání a litografie. Právě pod vedením Rodolphe Bresdin tyto technické dovednosti zakořenily, což mu poskytlo nástroje k průzkumu temnějších a nejednoznačnějších sfér lidské psychiky. Tato raná léta experimentování s čarou a kamenem položila základy pro vše, co následovalo.
Období monochromatických „noirs“
Průběh Redonova života se v roce 1870 nečekaně zlomil, když ho francouzsko-pruská válka povolala k službě v armádě. Toto období vojenské povinnosti přerušilo jeho budoucí uměleckou cestu, ale nemělo za cíle uhasit vize, které se v něm hluboce vbouřily. Po návratu se jeho pozornost obrátila k temnotám; až do svých padesátých let pracoval téměř výhradně v černobílé. Tyto vizionářské práce začal nazývat svými noirs – termín, který vystihl intenzivní a temnou povahu jeho průzkumů. Skrze tyto monochromatické studie se snažil dát tvar neviditelnému, vzdal se doslovného světa, aby našel jazyk čistého světla a stínů.
Jeho metoda byla stejně rozmanitá jako stvoření, která z nich vyvstávala. Ovládl umění litografie a používal uhlí k budování svých kompozic, přičemž často vrstvíval různé materiály, aby dosáhl specifické hloubky. Kombinoval vinné a olejované uhlí s doteky lisovaného uhlíku a černou kredkou, čímž vytvářel své jedinečné efekty. Tyto nástroje mu umožnily vykreslit noční scény a podivné, fantastické bytosti, které se zdály vyvstávat z vířící mlhy. Jeho ruce pracovaly s vědomou intenzitou; využíval tvrdost černé křídy k vykreslení obrysů forem proti měkčím, atmosférickým pasážím uhlí. Výsledky nebyly pouhými kresbami, ale okny do soukromého, stínového království.
Guardian Spirit of the Waters, kolem roku 1878
The Crying Spider, 1881
Evoluce do barvy a symbolismu
S příchodem 90. let 20. století se do Redonova ateliéru začalo prolévat nové světlo. Těžké, monochromatické stíny jeho raných let ustoupily náhlému přijetí barvy. Umělec se obrátil k pastelám a olejům a v těchto médiích našel způsob, jak vyjádřit proměnlivé nálady lidské duše. Nebyl to pouze technický posun, ale hluboké rozšíření jeho vize. Odvedl se od surovosti svých studií v uhlu směrem k onírické abstrakci, kde se tvary zdály rozpouštet v záři světla a odstínech. Tento přechod mu zajistil místo v samotném srdci symbolistického hnutí, neboť se snažil dát tvar neuchopitelnému prostřednictvím barevného jazyka.
Tato nově objevená luminiscence byla hluboce ovlivněna příchodem japonského umění do Francie. Odilon Redon pocítil silné přitažení k estetice japonských drzewopresů; obdivoval jejich plochou perspektivu i odvahu jejich barev. Tato fascinace mu umožnila vstoupit ještě hlouběji do sféry sugestie namísto doslovného vykreslování. Jeho kompozice začaly odrážet tento východní vliv a propojovat pocit tajemnice s dekorativnější, éterickou kvalitou. Svět, který maloval, již nebyl místem pevných objektů, ale prostorem duchovní a emocionální rezonance.
Smrt Buddhy (1899)
Zelený jezdec (cca 1904)
Žlutý plachtář (cca 1905)
Zrození Venuše (cca 1910)
Klíčová díla a významné zakázky
Jak se Odilon Redon vzdaloval stínů svých raných let, jeho štětec našel nový směr díky patronátu lidí, kteří sdíleli jeho fascinaci tím neviditelným. Baron Robert de Domecy se stal významnou postavou této éry, když umělci pověřil zachycením podob své rodiny. Tyto portréty baronky a její dcery Jeanne umožnily Redonovi aplikovat svůj vyvíjející se smysl pro světlo na lidskou postavu a snažit se odhalit vnitřní život skrytý pod povrchem kůže.
Jeho představivost se často obracela k prastarým mýtům, které přetvářel skrze čtverobok snů a abstrakce. V jednom z jeho významných olejomalířských děl je zapsán mýtus o Polyphemovi a nymfě Galateei, známý jako Kyklop. Toto dílo zachycuje obraťáka, jak obrací své jediné oko k prostínavé mladé dívce, což je kompozice odrážející jeho schopnost propojit klasické námět s pocitem psychologické tajemnosti. Podobně jeho pastelové dílo z roku 1900, Portrét Marie Botkine, nás zve k bližšímu pohledu na tiché, introspektivní hloubky subjektu, vykreslené jemným, zářivým dotekem, který definuje jeho pozdější styl.
V jeho posledních letech se vliv východní estetiky stal ještě výraznějším, což vedlo k dílům přijímajícím více dekorativní a plochou perspektivu. Konec života, kolem roku 1916, přinesl vznik díla Velká kytice v japonské váze, což je kus, který demonstruje, jak se principy japonského umění staly hluboce zapleteny do jeho vizuálního jazyka. Toto pozdní dílo ukazuje umělce, který plně ovládl moc barvy k vyjádření toho, co je neuchopitelné.
Technika a umělecký styl
Odilon Redon se pohyboval světem umění jako výtvarník, grafik i malíř, vždy s neúnavným cílem podřídit logiku toho viditelného služebníkovi toho neviditelného. V jeho raných letech se zrodal hluboký jazyk stínů, když tvořil primárně v černobílé kuin. Ovládl umění litografie a využíval toto médium k dosažení jemných tónových přechodů, díky nimž světlo vyvstávalo z hluboké temnoty. Pro dosažení větší přesnosti často používal umělé černé křídy k vykreslení konkrétních kompozičních prvků přes široké, měkké plochy uhlu. Tato díla byla často popisována jako syntéza nočních můr a snů, ve kterých se hranice mezi fyzickým a představivým stíraly v neustálém pohybu.
Jak se jeho rukopis stával jistějším, měnil se i jeho přístup k textuře a světlu. Od těžkých, monochromatických hlubin svých raných studií v uhlu se posunul k využití pastel a olejů. Tento přechod mu umožnil prozkoumat jiný druh luminesence, přestože nikdy neztratil svou fascinaci podvědomím. I při práci s barvou si jeho kompozice často zachovávaly nádech tajemna, jako by se postavy vynášely spíše ze snu než z reálné krajiny. Schopnost manipulovat s různými médii mu umožnila přeložit ty nejulétlejší části lidské psychiky do podoby hmatatelných forem.
The Cyclops, kolem roku 1914
Portrait of Marie Botkine, 1900
The Death of Ophelia, 1905
Dědictví a vliv na moderní umění
Vlny Redonovy vize se šířily daleko za tiché pokoje symbolistických kvasivých kruhů a dotkly se samotných základů nastupujícího století. Tím, že obrátil svůj pohled dovnitř, aby vykreslil zvláštní, iracionální území podvědomí, připravil půdu pro surrealisty. Jeho schopnost dát tvar logice snů poskytla vzor pozdějším umělcům, jako byli Marcel Duchamp a Max Ernst, kteří usilovali o osvobození mysli od omezení rozumu. Redon nemal pouze scény; on vizualizoval neviditelné proudy lidské myšlenky a vytvářel most mezi viditelným světem a vnitřním psychickým procesem.
Tato fascinace subjektivní zkušeností a emocionální vahou toho neviditelného našla hlubokou rezonanci i u expresionistických malířů. Jeho dílo naznačovalo, že pravá podstata objektu nespočívá v tom, jak jej měří oko, ale v tom, jak je vnímán skrze cítění. Vedle jeho pláten a pastelů zůstává hlubokým úspěchem především jeho grafika. Jeho litografie a kresby uhlem, tyto stínové průzkumy temna a tajemna, jsou považovány za jedny z nejinovativnějších úspěchů devatenáctého století v oblasti grafického umění. Ovládl jemné tónové přechody, kterými naznačoval světy působící zároveň prastarým dojmem i zcela nově.
Kyklop, kolem roku 1914
Smrt Ofélie, 1905
Zrození Venuše, 1910
Kde dnes spatřit jeho díla
Abychom se mohli dotknout stop jeho neuvěřitelné představivosti, musíme vyrazit na cestu do velkých národních pokladnic evropského umění. V Paříži hostí Musée d'Orsay několik jeho děl, která nám nabízejí fascinující pohled na evoluci jeho vizuální vize. Ti, kteří hledají jeho pozdější, barevnější a hlubší průzkumy, by se měli vydat do New Yorku, kde Museum of Modern Art uchovává několik kusů odrážejících jeho posun k éterické a světelné estetice.
Dosah jeho vlivu přesahuje hranice kontinentů a jeho díla nacházejí domov v nejrůznějších sbírkách po celém světě. V Nizozemsku sídlí Kröller-Müller Museum, v jehož sbírkách září Kyklop, dílo zachycující mytologické a snové kvality jeho středního a pozdního období tvorby. Mezitím na druhém boku Atlantiku, v Los Angeles, pečuje J. Paul Getty Museum o portrét baronky de Domecy, což je dílo, které svědčí o osobních vztazích a zakázkách, jež formovovaly jeho život i uměleckou dráhu.
Kyklop, Kröller-Müller Museum, Otterlo
Portrét baronky de Domecy, J. Paul Getty Museum, Los Angeles
Muzeum
Vystaveno v Mnichov, Německo
Původy a historie Neue Pinakothek
Kořeny Neue Pinakothek tkví v osobních sběratelských zájmech Ludwiga I. Bavorského. Již jako korunovního prince začal v roce 1809 pořádně budovat svou sbírku současného umění. Tento soukromý zájem se postupem času proměnil v veřejnou misi, když byla instituce v roce 1853 oficiálně založena. Byla koncipována jako revoluční prostor, který měl být výhradně věnován prezentaci současných děl. Tento odklon od tradičního zaměření na antiku znamenal zásadní zlom v tom, jakým způsobem bylo umění kurátorováno a předcházáno veřejnosti.
Srdcem muzea zůstává evropské umění 18. a 19. století. Právě toto období tvorby tvoří jádro celé kolekce. Díky tomuto hlubokému zaměření se Neue Pinakothek stala jedním z nejdůležitějších muzeí umění devatenáctého století na světě. Instituce tak představuje přímý odkaz na stylistické evoluce této éry a zachovává si vizuální jazyk století, které zásadně proměnilo svět.
Budova a její architektura
Architektonická přítomnost muzea Neue Pinakothek je definována dialogem mezi různými érami. Původní stavba, dokončená v roce 1859, prošla významnou transformací v pozdním 20. století. Pod vedením architekta Alexandra von Brancy byla budova přetvořena skrze optiku postmodernismu. Tato rekonstrukce vytvořila strukturu, která vyvažuje neoklasicistickou střízlivost s výrazným postmodernistickým šarmem.
Fyzická kompozice muzea spoléhá na záměrný kontrast materiálů. Robustní betonový skelet zajišťuje vnitřní pevnost, zatímco exteriér je oplštěn třpytivou fasádou z pečlivě opracovaného vápence. Tato interakce těžkých průmyslových prvků a rafinovaného kamene vytváří fascinující vizuální napětí. Když byla budova otevřena v roce 1981, nastolila novou estetiku pro čtvrť Kunstareal, která spojila historickou citlivost s moderními konstrukčními technikami.
Hlavní sbírky a umělecká hnutí
Síla této sbírky tkví v hluboké koncentraci na období romantismu. Tento zaměření umožňuje divákovi neustálé setkání s emocionální tíhou evropského umění 19. století. V těchto zdech je patrná evoluce stylu prostřednictvím přítomnosti nazareňanů a münchenské secese. Díla plynule přecházejí od strukturované jasnosti klasicismu k intimnějšímu, domácímu vnímání charakteristickému pro styl biedermeieru. V prostoru se nachází tichá kontinuita, kterou tvoří barbizonská škola a impresionistické krajiny, jež sledují proměnu v tom, jak vnímáme světlo a přírodu.
Šíře muzeálních fondů se sahá až do konce 19. a začátku 20. století, kde je téměř hmatatelně cítit napětí mezi tradicí a novotou. Secese a impresionismus nacházejí své místo vedle intenzivnějších rozvojů expresionismu. Přítomnost Goyi a významných děl anglického umění poskytuje této éře kontinentální perspektivu. Akademické umění zůstává základním kamenem, který vytváří kontext, ve kterém se později vyvinula tato radikálnější hnutí. Tato sbírka tedy nepředstavuje pouze časovou osu; ona vykresluje proměňující se hodnoty celého století prostřednictí svých rozmanitých směrů.
Siege of Cosel, 1808 - Wilhelm Von Kobell
Léto, 1807 - Caspar David Friedrich
Nádoby, ovoce a látka před kramusem, 1883 - Paul Cézanne
Žena ve vaně - Édouard Manet
Mistrovská díla sbírky
Přítomnost děl, která vytvořil Gustav Klimt, nabízí hluboké setkání s přechodem do moderní éry. V roce 1895 vzniklo dílo Music I, které skrze využití zlátého listu a složitých vzorů představuje třpytivé, zlatavé ztělesnění hudby. Toto dílo, spolu s portrétem z roku 1905, kterým je Portrait of Margaret Stonborough-Wittgenstein, odhaluje fascinaci psychologickou hloubkou a dekorativním jazykem Art Nouveau. Geometrická kompozice portrétu, definovaná horizontálními a vertikálními liniemi, vytváří ostrý kontrast s plynoucí draperií šatů portrétované ženy.
Další díla pak nabízejí studii světla a formy pocházející z celého Evropského kontinentu. Woman in a Tub od Édouarda Maneta zůstává významnou součástí sbírky, která reprezentuje evoluci impresionismu. Emocionální váha romantické éry je pak cítit v tiché intenzitě díla The Summer od Caspara Davida Friedricha. V blízkosti k ní je dramatický napětí Eugène Delacroix zachyceno v obraze The Death of Ophelia, díle, které zdůrazňuje expresivní sílu barvy a pohybu.
Sbírka rovněž zahrnuje významnou portrétní a krajinnou studii, které odrážejí měnící se společenské i přírodní perspektivy. Dílo Sir Thomas Lawrence z roku 1793, The Two Sons of the 1st Earl of Talbot, představuje okno do formálních tradic konce 18. století. Tato díla působí jako živé přítomné entity, které zvou k pomalé kontemplaci nad texturami a pigmenty, jež je definují.
Významné akvizice a přínos Tschudiho
Dějiny muzea Neue Pinakothek zahrnují období definované tzv. Tschudiho přínosem, kapitolu poznačenou intenzivní uměleckou vášní i politickými zákulisními tahy. Po odvolání ředitele Hugo von Tschudiho zahájila skupina jeho spolupracovníků významnou kampaň na sbírání prostředků. Tento úsilí bylo směřováno na pořízení děl s impresionistickým a postimpresionistickým významem, což zásadně změnilo směřování celé sbírky. Výsledné akvizice vnesly do instituce zcela nový rozměr a zajistily díla umělců jako Henri Matisse či Édouard Manet.
Tyto nákupy rozšířily působnost muzea do vyvíjejícího jazyka modernismu. Přítomnost děl od Paula Cézanne a Paula Gauguina umožňuje přímé setkání s proměnou vnímání, která definovala konec 19. století. Tyto obrazy trvají v sálech jako fyzický důkaz transformativní éry v rámci evropského umění. Síla této sbírky spočívá právě v této specifické koncentraci vizionářů, kteří vzdorovali zavedeným akademickým tradicím.
Te tamari no atua (známé také jako Narození), 1896 - Eugène Henri Paul Gauguin
Vessels, Fruit and Cloth in front of a Chest, 1883 - Paul Cézanne
Nedávné projekty a rekonstrukce
Neue Pinakothek se v současné době podstupuje rozsáhlou rekonstrukci. Vzhledem k náročnosti těchto prací je muzeum pro veřejnost uzavřeno. Nad stávající budovou byla vybudována obrovská dočasná střecha, která slouží jako ochrana pro celou konstrukci i vzácná díla uvnitř. Tento monumentální projekt je realizován ve spolupráci s münchenskou architektonickou pracovnou Hild und K Architekten.
Časový harmonogram těchto prací se posunul a jak bylo oznámeno v lednu 2022, otevření muzea pro návštěvníky je nyní odloženo na rok 2029. Ačkoliv jsou hlavní sály stále nedostupné, vybraná významná díla 19. století jsou aktuálně vystavena v přízemí Alte Pinakothek a v prostorách Sammlung Schack. Tato dočasná expozice umožňuje pokračovat v prezentaci sbírky, zatímco hlavní sídlo prochází svou transformací.
