Формат на хартията

Ръководство за ученически творби

Serpent

Паул Клее, 1926

Име Клас Дата
Паул Клее, Serpent (1926), Музей на изкуствата във Бостън. Обществено достояние

Основни факти

Художник
Паул Клее originaluniqueart.com/bg/artists/%D0%BF%D0%B0%D1%83%D0%BB-%D0%BA%D0%BB%D0%B5%D0%B5_bg/
Дати на създаване от художника
1879 – 1940
Картина с боя
1926
Техника
Молив
Празен размер
24 x 31 cm
Движение
Expressionist Abstraction
Период
Модерно
Проведено в
Музей на изкуствата във Бостън originaluniqueart.com/bg/museums/%D0%BC%D1%83%D0%B7%D0%B5%D0%B9-%D0%BD%D0%B0-%D0%B8%D0%B7%D0%BA%D1%83%D1%81%D1%82%D0%B2%D0%B0%D1%82%D0%B0-%D0%B2%D1%8A%D0%B2-%D0%B1%D0%BE%D1%81%D1%82%D1%8A%D0%BD-%D0%B1%D0%BE%D1%81%D1%82%D1%8A%D0%BD_bg/

Авторско право Тази творба е в обществено достояние. Паул Клее е починал(а) през 1940; авторското право важи 70 години след смъртта на автора, така че то е изтекло през 2010.

Източник: OriginalUniqueArt.com — достъп на 13 Септември 2026

Serpent — Паул Клее Част 1 · Данни за произведението

В контекста

Serpent — Паул Клее

Какви са размерите?

Оригиналните размери са 24 × 31 см (височина × ширина), изобразени тук до възрастен със среден ръст.

Година на създаване

  1. 1870
  2. 1880
  3. 1890
  4. 1900
  5. 1910
  6. 1920
  7. 1930
  8. 1940

Row above: the year. Row below: the artist's age in that year.

Painted when the artist was 47. The artist lived to 61. 127 of the 235 dated works by this artist in our catalogue came earlier.

Засенчен: животът на Паул Клее (1879–1940) ▲ тази творба, 1926

First works: up to 1920 Main working years: 1920–1937 Late works: from 1937

Those three bands split the works this catalogue has a date for into a first quarter, a middle half and a last quarter. They are not the artist’s complete output: a thin stretch may be a gap in the record rather than a quiet spell.

Сравнение с подобни произведения

  • Твитърщ Машина 1 originaluniqueart.com/bg/art/%D0%BF%D0%B0%D1%83%D0%BB-%D0%BA%D0%BB%D0%B5%D0%B5-%D1%82%D0%B2%D0%B8%D1%82%D1%8A%D1%80%D1%89-%D0%BC%D0%B0%D1%88%D0%B8%D0%BD%D0%B0-1-8LT49S-bg/
  • То Парнасъс, 1932 originaluniqueart.com/bg/art/%D0%BF%D0%B0%D1%83%D0%BB-%D0%BA%D0%BB%D0%B5%D0%B5-%D1%82%D0%BE-%D0%BF%D0%B0%D1%80%D0%BD%D0%B0%D1%81%D1%8A%D1%81-5ZKDVM-bg/
  • Легенда на Нил, 1937 originaluniqueart.com/bg/art/%D0%BF%D0%B0%D1%83%D0%BB-%D0%BA%D0%BB%D0%B5%D0%B5-%D0%BB%D0%B5%D0%B3%D0%B5%D0%BD%D0%B4%D0%B0-%D0%BD%D0%B0-%D0%BD%D0%B8%D0%BB-5ZKDVV-bg/

Изберете едно от произведенията по-горе: посочете две неща, които то споделя с това произведение, и едно нещо, което го отличава.

Други произведения, които биха допълнили това: originaluniqueart.com/bg/art/similar/paul-klee-serpent-D3WLUF-en/

Цветова палитра

Измерено по изображението

    Основен цвят

    Мастен цвят #d8d0be

    Запазена палитра

    • #D8D0BE
    • #CDC4B3
    • #ACA495
    • #878075
    Палитра
    Монохромни тонове Доминиращата цветова гама в изображението.
    Име на основния цвят
    Мастен цвят
    Интензивност
    Балансиран Колко са наситени и разнообразни цветовете – от един приглушен нюанс до множество ярки такива.
    Контраст
    Спокоен Доколко цветовете се различават по светлота и наситеност в рамките на картината.
    Хармония
    Унифицирана палитра Колко добре цветовете си взаимодействат – от контрастни до напълно обединени.
    Яркост
    Блестящ Общата светлост или тъмнина на изображението – от дълбока сянка до ярък акцент.
    Наситенност
    Приглушен Колко чисти и силни са цветовете – от почти сиви до напълно живи.

    Where in the world is this painting looked at?

    • under 1%
    • 1–3%
    • 3–8%
    • 8–20%
    • 20% and over
    This painting alone has too few recorded visitors to map, so the plate reads every work by Паул Клее over the last twelve months — 50 countries in all.

    The ten leading countries

    1. 1 Китай 46,1%
    2. 2 Съединени Американски Щати 11,0%
    3. 3 Хонк Конг 7,3%
    4. 4 Сингапур 7,3%
    5. 5 Бразилия 2,9%
    6. 6 Франция 2,6%
    7. 7 Италия 2,4%
    8. 8 Аржентина 1,9%
    9. 9 Полша 1,7%
    10. 10 Германия 1,6%
    11. · 40 other countries 15,2%

    Find the three darkest countries on the map. Is the museum that keeps this painting in any of them? Write down one reason people far away might look at it.

    The 20 most looked-at works by Паул Клее

    1. 1 Твитърщ Машина 1 2,8%
    2. 2 То Парнасъс, 1932 2,3%
    3. 3 Southern (Tunisian) Gardens 2,0%
    4. 4 Flora on sand, 1927 1,7%
    5. 5 Landscape with Yellow Birds, 1923 1,7%
    6. 6 Образ на риба, 1925 1,4%
    7. 7 Легенда на Нил, 1937 1,3%
    8. 8 Serpent, 1926 this painting 1,2%
    9. 9 Fire at Full Moon 1,1%
    10. 10 Redgreen and Violet-Yellow Rhythms, 1920 1,1%
    11. 11 The Lamb, 1920 0,9%
    12. 12 Arabian Princess 0,9%
    13. 13 Tale à la Hoffmann 0,9%
    14. 14 Розова градина, 1920 0,9%
    15. 15 Реконструиране (Rekonstruirane), 1926 0,9%
    16. 16 Arctic Dew, 1920 0,8%
    17. 17 Червени и бели куполи (също известни като Червени и бели куполи), 1914 0,8%
    18. 18 Златна риба 0,8%
    19. 19 At the Core, 1935 0,7%
    20. 20 Growth of the night plants, 1922 0,7%

    Together these works take 24,9% of all the attention this artist's paintings received over the last twelve months. The catalogue holds 501 works by this artist, of which 392 were looked at at least once. This painting ranks 8 of them, with 1,2% of that attention.

    Bars measure attention, not quality. Pick the work at the top and this one: name one thing that might make a painting famous beyond how well it is painted.

    Източник: OriginalUniqueArt.com — достъп на 13 Септември 2026

    Serpent — Паул Клее Част 2 · В контекст

    За това произведение

    Serpent — Паул Клее

    A Dance of Shadow and Instinct

    In the quiet, monochromatic realm of Paul Klee’s 1926 masterpiece, Serpent (also known as Schlangenbeute), a primal drama unfolds with breathtaking subtlety. This graphite drawing is far more than a mere sketch of nature; it is a profound exploration of tension and the delicate balance between predator and prey. As the eye first meets the composition, one is immediately struck by the dramatic asymmetry that defines Klee’s vision. A sinuous, powerful serpent dominates the left side of the frame, its body curving with an almost musical rhythm that guides the viewer deeper into the shadows. On the lower right, a small, vulnerable rodent sits in stark contrast, appearing fragile and isolated against the encroaching darkness. This deliberate arrangement creates an immediate sense of visual weight and psychological suspense, inviting anyone who views it to hold their breath alongside the tiny creature.

    The technical mastery displayed in this work lies in Klee’s ability to breathe life into simple pencil strokes. Through a sophisticated application of hatching and cross-hatching, the artist builds a rich tapestry of textures that defy the limitations of a grayscale palette. The serpent’s scales are rendered with a rhythmic complexity, where layers of graphite create depth, roughness, and a sense of muscular movement. These lines do not merely outline a shape; they vibrate with an expressive energy characteristic of Klee’s unique style—a blend of abstraction and expressionism that feels both primitive and highly intellectual. The interplay of light and shadow is masterful, as if a single, unseen light source from above is casting the serpent into sharp relief while allowing the edges of the composition to dissolve into mystery.

    Symbolism and the Soul of Abstraction

    Beyond its physical form, Serpent serves as a vessel for profound symbolic resonance. For Klee, the serpent was a recurring motif capable of embodying the dualities of existence: wisdom and temptation, transformation and destruction. The coiled posture of the predator suggests a latent power, a moment of stillness before the strike that mirrors the precariousness of life itself. In this way, the artwork transcends its subject matter to become a meditation on the eternal struggle between opposing forces. The rodent, representing innocence and the ephemeral nature of life, provides the emotional anchor for the piece, evoking a deep sense of empathy in the observer. This tension between the imposing and the fragile makes the work an incredibly evocative piece for contemplation.

    For the discerning collector or interior designer, this reproduction offers a sophisticated touch of intellectual depth to any curated space. Its monochromatic elegance allows it to integrate seamlessly into modern, minimalist, or classical environments, acting as a focal point that stimulates conversation and thought. Whether placed in a quiet study, a contemporary gallery-style living room, or a professional design studio, the piece brings with it the storied legacy of one of the 20th century's most influential visionaries. Owning a high-quality reproduction of this Klee treasure is not merely about decorating a wall; it is about inviting a timeless, rhythmic energy into one’s surroundings—a piece that captures the very essence of movement, shadow, and the beautiful, terrifying dance of instinct.

    Източник: OriginalUniqueArt.com — достъп на 13 Септември 2026

    Serpent — Паул Клее Част 3 · За това произведение

    Художник и музей

    Художник

    Паул Клее

    Роден в Мюнхенбухзе, Швейцария

    Животът, потопен в цвят и форма

    Паул Клее, име синоним на игрива абстракция и дълбока емоционалност, заема уникално място в пейзажа на изкуството от 20-ти век. Роден на 18 декември 1879 г. в Мюнхенбухзее, Швейцария, неговият артистичен път е бил постоянен стремеж към изследване, неподдаващ се на лесна категоризация и коващ път, който съчетава влияния от експресионизма, кубизма и сюрреализма в ясно изразен личен визуален език. Възпитанието на Клее насърчава ранното му оценяване на изкуствата; баща му, немски учител по музика, а майка му, швейцарска певица, са възбудили у него чувствителност както към слуховата, така и към визуалната хармония. Тази основополагаща връзка между музиката и живописта се превръща в определяща характеристика на творчеството му, оформяйки не само композиционния му подход, но и теоретичното му разбиране за изкуството като форма на абстрактно изразяване, подобна на музикалната аранжировка. Първоначално привлечен от рисуването, Клее скоро изоставя стремежа към реалистична репрезентация, осъзнавайки нейните ограничения в предаването на вътрешния свят на емоции и идеи, които се стреми да изрази. Той постъпва в Академията за фини изкуства в Мюнхен между 1898 и 1901 г., период, белязан от експериментиране и развитието на неговия уникален артистичен глас.

    Оформянето на художествена визия

    Ранните творби на Клее разкриват влиянието на модерн и символизма, но дори в тези рамки започват да се появяват намеци за бъдещия му стил. Повратен момент в артистичното му развитие е пътуването му до Тунис през 1914 г. Интензивната светлина и жизнена атмосфера на Северна Африка дълбоко влияят върху използването на цветовете му, вдъхновявайки го да премине от приглушени тонове към по-смели, изразителни палитри. Този опит бележи повратна точка, затвърждавайки ангажимента му към абстракцията като средство за улавяне на същността на възприятието, а не просто за възпроизвеждане на неговата повърхност. Той не просто вижда Тунис; той превежда емоционалния му резонанс във визуална форма. През този период Клее се ангажира с различни художествени движения, усвоявайки техните принципи, като същевременно устоява на пълното придържане към една-единствена идеология. Интересът му към музиката остава първостепенен и той често говори за живописта като процес, аналогичен на композирането на музикални произведения – внимателна аранжировка на елементи за създаване на хармонично цяло. Този синестетичен подход е очевиден в ритмичното качество на линиите му, деликатния баланс на цветовете и общото усещане за движение, което прониква много от неговите творби.

    Баухаус и по-нататък: Период на разцвет

    От 1931 до 1933 г. Клее приема преподавателска позиция в влиятелното училище за изкуство, дизайн и архитектура Баухаус, заедно с Василий Кандински. Този период се оказва забележително плодотворен за артистичното му развитие. Ограден от новаторски мислители и колеги-художници, той процъфтява в среда, която насърчава експериментирането и теоретичните изследвания. Неговата работа през тези години се задълбочава в теорията на цветовете и формалните взаимоотношения, изследвайки взаимодействието между абстрактни форми и емоционално изразяване. Въпреки това този творчески оазис е разрушен с възхода на нацизма в Германия. През 1933 г. Клее е уволнен от Баухаус поради неговото изкуство, което е обявено за „изродено“ от нацисткия режим – зловещ свидетелство за опасностите от политическата идеология, потискаща артистичната свобода. Принуден да се върне в Швейцария, той продължава да рисува, но здравето му се влошава под сянката на нарастващия политически хаос и лични трудности. Въпреки тези предизвикателства, Клее остава верен на артистичната си визия, създавайки творби, които отразяват както тревогите на епохата, така и неговата непоколебима вяра в способността на изкуството да надхвърля трудностите.

    Теми, стил и трайно наследство

    Творчеството на Паул Клее се характеризира с пленителна смесица от игривост и дълбока съзерцание. Той често използва детски образи и причудливи композиции, изпълвайки ги със слоеве символично значение. Повтарящи се теми в изкуството му включват градини, пейзажи, портрети и абстрактни аранжировки – всяка от които служи като средство за изследване на сложността на човешкия опит. Неговите „Бележници на Паул Клее“, публикувани посмъртно, предлагат безценна представа за обширните му теоретични изследвания в областта на цветовете и дизайна, разкривайки прецизен и интелектуален подход към артистичното творчество. Той не просто рисува; той конструира визуален език, базиран на принципите на хармония, баланс и емоционален резонанс. Хамамет, Семейство, и В течението шест прага са само няколко примера, демонстриращи неговото майсторство в цветовете и формите. Паул Клее умира на 29 юни 1940 г. в Мурало, Швейцария, оставяйки след себе си наследство, което продължава да вдъхновява художници и пленява публиката по целия свят. Той с право е смятан за една от най-важните фигури на изкуството от 20-ти век, преодолявайки пропастта между фигуративното и абстрактното изразяване и затвърждавайки мястото си като емблематичен новатор, чиято работа остава вечно актуална.

    Музеи & По-нататъшно проучване

    Zentrum Paul Klee (Берн): Дом на най-голямата колекция от творби на Клее в света, предлагаща изчерпателен преглед на артистичното му пътуване.

    Музеят за фини изкуства в Берн: Представя значими произведения на Клее заедно с шедьоври на Пикасо и Хьодлер.

    Kunstmuseum Bern: Най-старият художествен музей в Швейцария, представящ разнообразна колекция, включително творби на Клее и други модерни майстори.

    Неговото влияние се простира отвъд сферата на живописта, засягайки области като дизайн, архитектура и музика. Трайната привлекателност на работата на Паул Клее се крие в способността му да предизвиква чувство на учудване и да кани зрителите да се ангажират с изкуството на емоционално и интелектуално ниво – свидетелство за неговия гений и траен принос към света на визулната култура.

    Музей

    Музей на изкуствата във Бостън

    В изложбата в Бостън, Съединени Американски Щати

    A Legacy of Artistic Vision: The Museum of Fine Arts, Boston

    Nestled within the vibrant heart of Boston, the Museum of Fine Arts is more than just a repository of art; it’s a living chronicle of human creativity spanning millennia. From its modest beginnings in 1870 within the walls of the Boston Athenæum to its current grand neoclassical home on Huntington Avenue, the MFA has consistently championed artistic expression and fostered a profound appreciation for the transformative power of beauty. The building itself—a deliberate homage to classical ideals conceived by architect Guy Lowell—is an immediate statement of ambition, its granite façade radiating solidity and elegance while the rotunda, adorned with monumental frescoes by John Singer Sargent, serves as a breathtaking gateway into a world of artistic wonder. This initial grandeur was merely the prelude to a continuous evolution, marked by subsequent expansions that have seamlessly integrated modern design alongside the museum’s historic core, creating a dynamic dialogue between past and present.

    The heart of the MFA lies within its astonishingly diverse collection, a testament to its commitment to representing artistic traditions from across the globe. European masterpieces—the shimmering brushstrokes of Monet capturing fleeting light, the dramatic intensity of Van Gogh’s landscapes, the elegant portraits of Renoir and Degas—form an undeniable cornerstone, offering intimate glimpses into the lives and visions of some of history's most celebrated artists. Yet, to limit the museum solely to Europe would be a profound oversight. The MFA boasts an unparalleled collection of ancient Egyptian artifacts – sarcophagi adorned with intricate hieroglyphs, statues embodying pharaonic power, and jewelry whispering tales of elaborate rituals – transporting visitors back thousands of years to explore the mysteries of a civilization that continues to captivate our imaginations. Delving deeper into Asia reveals exquisite Chinese bronzes radiating with symbolic meaning, delicate Japanese prints revealing the nuances of woodblock techniques, and powerful Indian sculptures reflecting spiritual devotion. The museum’s dedication extends beyond these iconic pieces to encompass American portraiture, decorative arts from around the world – furniture that speaks volumes about social status and craftsmanship, ceramics showcasing regional styles, textiles rich in color and pattern—each object offering a unique window into its time and place. The sheer breadth of representation is truly remarkable, demonstrating the MFA’s unwavering commitment to celebrating artistic expression across geographical boundaries.

    Architectural Narrative: A Symphony of Styles

    The Museum of Fine Arts' physical space isn’t merely a setting for art; it’s an integral part of the museum’s narrative. The original building, designed by Guy Lowell in 1909, embodies the grandeur of Beaux-Arts design—a deliberate homage to classical ideals and Boston’s ambition during the Progressive Era. Its imposing granite façade exudes solidity and elegance, while the rotunda, a breathtaking space adorned with Sargent's monumental frescoes, serves as the museum’s most iconic feature. These murals, depicting scenes from classical mythology – Apollo presiding over his pantheon, Diana hunting in the moonlit forest – are not mere decoration; they represent the MFA’s commitment to bridging the gap between artistic traditions spanning millennia. The careful integration of light, color, and scale within the rotunda creates an immersive experience that immediately establishes the museum's sense of grandeur and artistic ambition.

    However, the museum’s story doesn’t end with Lowell’s vision. Subsequent expansions, masterfully executed by Hugh Stubbins & Associates and I.M. Pei, have added layers of complexity and sophistication to its architectural landscape. The Linde Family Wing for Contemporary Art, conceived by I.M. Pei, is a bold statement of artistic innovation—a soaring glass atrium that creates an ethereal atmosphere, dramatically contrasting with the museum’s historic halls. This space is designed to engage visitors with cutting-edge works, fostering dialogue and exploration of new creative frontiers. The integration of these modern additions demonstrates the MFA’s ability to evolve while honoring its rich heritage. The juxtaposition of Lowell's Beaux-Arts style with Pei's modernist design creates a dynamic tension that reflects the museum’s ongoing engagement with art history and contemporary artistic trends.

    A Global Tapestry: Exhibitions and Ongoing Engagement

    Throughout its history, the Museum of Fine Arts has been a catalyst for artistic discourse, hosting groundbreaking exhibitions that have captivated audiences worldwide. From retrospectives celebrating iconic artists like Picasso and Warhol—artists who redefined our understanding of modern art—to thematic explorations delving into pressing social issues, the MFA consistently pushes boundaries and stimulates intellectual curiosity. The museum’s affiliation with Tufts University's School of the Museum of Fine Arts fosters a dynamic environment where artists, students, and researchers collaborate, fueling innovation and pushing the boundaries of artistic expression. Recent exhibitions have explored diverse themes—from the influence of ancient Egypt on contemporary design to the evolution of portraiture across cultures—demonstrating the museum’s commitment to presenting art in new and engaging ways.

    The MFA’s dedication extends beyond its permanent collection through a vibrant program of temporary exhibitions, lectures, workshops, and educational programs. These initiatives are designed to cater to a diverse audience, from seasoned art enthusiasts to families seeking enriching cultural experiences. The museum actively promotes accessibility, ensuring that its treasures are enjoyed by all visitors, regardless of ability. The MFA’s commitment to community engagement solidifies its position as a vital contributor to cultural enrichment and artistic understanding, fostering a lifelong appreciation for the arts.

    Digital Horizons: Expanding Reach and Accessibility

    Recognizing the importance of reaching a global audience, the Museum of Fine Arts has embraced digital platforms like Google Arts & Culture, extending its reach far beyond Boston’s borders. Through virtual tours, high-resolution images, and engaging stories, visitors from around the world can explore the museum’s extraordinary collection—a testament to the MFA’s dedication to democratizing access to art and fostering a deeper appreciation for cultural heritage. The integration of these digital tools underscores the museum’s commitment to innovation and its role as a leading voice in the evolving landscape of art education and engagement. The online presence allows individuals who cannot physically visit Boston to still experience the beauty and significance of the collection, furthering the MFA’s mission of making art accessible to all.

    Useful Links:

    Museum of Fine Arts

    Forsyth Wickes Museum of Fine Arts

    Useful Content:

    Science: A Preparation for the Mural in the Museum of Fine Arts, Boston

    Philosophy: A Preparation for the Mural in the Museum of Fine Arts, Boston

    Научете повече тук

    Намерете го онлайн

    QR код, който препраща към страницата за изтегляне на Serpent

    originaluniqueart.com/bg/art/download/paul-klee-serpent-D3WLUF-en/

    Цитиране на това произведение

    MLA
    Клее, Паул. Serpent. 1926, Музей на изкуствата във Бостън. https://originaluniqueart.com/bg/art/paul-klee-serpent-D3WLUF-en/
    APA
    Клее, Паул (1926). Serpent [Painting]. Музей на изкуствата във Бостън. https://originaluniqueart.com/bg/art/paul-klee-serpent-D3WLUF-en/
    Chicago
    Паул Клее. Serpent. 1926. Музей на изкуствата във Бостън. https://originaluniqueart.com/bg/art/paul-klee-serpent-D3WLUF-en/
    Harvard
    Клее, Паул (1926) Serpent. Музей на изкуствата във Бостън. Available at: https://originaluniqueart.com/bg/art/paul-klee-serpent-D3WLUF-en/

    Източник: OriginalUniqueArt.com — достъп на 13 Септември 2026

    Serpent — Паул Клее Част 4 · Художник и музей

    Разгледайте внимателно

    Serpent — Паул Клее

    Разгледайте по-отблизо

    Отговорете с ваши собствени думи. Тук няма грешни отговори — само такива, които можете да обясните.

    1. Какво привлича погледа ви първо и защо?
    2. Кои цветове или форми създават настроението — и какво представлява то?
    3. Върнете се към Твитърщ Машина 1, разгледан по-рано в това ръководство. Намерете две общи черти между него и тази творба, както и една разлика.
    4. Паул Клее е бил на около 47 години, когато това е създадено. Кое в него напомня за творчеството на творец в тази възраст?
    5. Какво е искал да ви накара да почувствате художникът?

    Вашият отговор

    Напишете кратък абзац за това произведение на изкуството, като използвате информацията от предишните части на това ръководство и вашите отговори по-горе.

    Източник: OriginalUniqueArt.com — достъп на 13 Септември 2026

    Serpent — Паул Клее Част 5 · Разгледайте внимателно

    Въпроси и отговори

    Кога е създадена и от кой стил е „Serpent“ на Паул Клее?

    „Serpent“ е създадена през 1926, в рамките на движението Expressionist Abstraction.

    Как се съчетават медиумът и движението в "Serpent"?

    В „Serpent“ техниката Молив се среща с движението Expressionist Abstraction.

    Мога ли да използвам добавена реалност, за да видя „Serpent“ на Паул Клее в моята стая?

    Страницата AR преглед на произведението „Serpent“ на Паул Клее използва добавена реалност, за да покаже творбата във вашето собствено пространство чрез съвместимо устройство.

    На каква възраст е бил Паул Клее, когато е създадена „Serpent“?

    Паул Клее е бил на 47 години, когато създава „Serpent“ през 1926. Възрастта е изчислена въз основа на годината на раждане на художника, 1879.

    Какво обяснява ситуацията с авторските права на „Serpent“ на Паул Клее?

    „Serpent“ на Паул Клее е в в обществено достояние – авторското му право е изтекло. Срокът на авторско право се изчислява от годината на смъртта на творца, а Паул Клее почина през 1940.

    Кой е създал "Serpent"?

    Художникът зад "Serpent" е Паул Клее. Произведението е каталогизирано под името на Паул Клее.

    Коя е датата на създаване на „Serpent“ на Паул Клее?

    „Serpent“ на Паул Клее е създадена през 1926.