الفنان
ولد في فيلادلفيا, الولايات المتحدة
حياة توماس إيكينز
وُلد توماس إيكينز في مدينة فيلادلفيا بولاية بنسلفانيا في الخامس والعشرين من يوليو عام 1844، ليعيش حياةً متجذرة بعمق في مدينة ميلاده. كان رجلاً متعدد المواهب والاهتمامات، حيث عمل رساماً، ومصوراً فوتوغرافياً، ونحاتاً، ومعلماً للفنون الجميلة. ورغم أن شغفه بالمعرفة كان يقوده غالباً إلى السفر والدراسة في الخارج، إلا أن جغرافيا وجوده ظلت متمحورة إلى حد كبير حول فيلادلفيا؛ حيث تنقل عبر الدوائر الفكرية والاجتماعية للمدينة، مراقباً الناس والحقائق المادية التي رسمت ملامح المشهد المحلي.
اتسمت مسيرته المهنية بالتزام راسخ بكل ما هو ملموس وحقيقي؛ فبينما كان يجسد الملامح بالزيت أو يوثق لحظة عابرة عبر عدسة الكاميرا، ظل تركيزه منصباً على الحقيقة البنيوية لموضوعاته. هذا التفاني في تصوير الواقع كما هو، بعيداً عن المثالية، وضعه في كثير من الأحيان في صدام مع الذائقة السائدة في عصره. لقد كان رجلاً ذا قناعات صلبة، وهي سمة صاغت نتاجه الفني ومكانته داخل المجتمع الأكاديمي على حد سواء، حتى وافته المنية في فيلادلفيا في الخامس والعشرين من يونيو عام 1916.
ماكس شميت في قارب فردي (1871)
عيادة غروس (1875)
ويليام راش ونموذجه (1877)
بورتريه والت ويتمان (1887)
الحياة المبكرة والتدريب الفني
وُلد توماس إيكينز في فيلادلفيا، ونشأ في كنف أسرة اتسمت بالدقة المتناهية؛ فقد كان والده، بنيامين إيكينز، يعمل أستاذاً للكتابة وخطاطاً، وهي مهنة تتطلب يداً منضبطة وعيناً ثاقبة للتفاصيل. هذا الانكشاف المبكر على آليات الشكل والخطوط وضع حجر الأساس الهادئ لشاب سيسعى في نهاية المطاف إلى فهم البنية البشرية بصرامة علمية. بدأت رحلته التعليمية الفعلية في أكاديمية بنسلفانيا للفنون الجميلة، حيث التحق بها في الفترة من عام 1862 إلى 1866. وهناك، بدأت اهتماماته بالواقع المادي للجسد تضرب بجذورها، متجاوزةً مجرد الرسم التخطيطي البسيط نحو استقصاء أكثر عمقاً لعلم التشريح.
قاده هذا الفضول التشريحي إلى قاعات المحاضرات في كلية جفرسون الطبية؛ فبدلاً من الانغلاق داخل حدود المرسم، سعى توماس إيكينز وراء الحقيقة السريرية للهيكل البشري، حيث كان يحضر محاضرات التشريح ليتعلم الميكانيكا الكامنة وراء العضلات والعظام. هذا التقاطع بين الفن والعلم سيصبح السمة المميزة لنهجه الفني. وفي عام 1866، غادر فيلادلفيا متوجهاً إلى باريس لمواصلة دراساته، حيث قضى وقته في فرنسا يمتص البراعة التقنية التي ميزت ذلك العصر، صاقلاً منهجاً في الملاحظة يفضل التجربة المباشرة على المثالية الرومانسية. لقد رسخت فترة التدريب هذه التزامه بأسلوب فني متجذر في الحقيقة الملموسة والمجردة لموضوعاته.
التقنية والأسلوب الفني
لقد ارتقى توماس إيكينز بتقاليد الواقعية الأمريكية في القرن التاسع عشر إلى ذروة من الإنجاز الفني؛ حيث اتسم نهجه بالتزام صارم بالدقة التشريحية وبصيرة نفسية نافذة. لم يكن يسعى لمجرد التقاط ملامح الوجه أو الشبه الخارجي، بل كان يطمح إلى فهم البنى العميقة الكامنة في الهيكل البشري. هذا الفضول العلمي قاده إلى دراسة ميكانيكا الحركة وتعقيدات الجسد، مستمداً إلهامه من شغفه العميق بعلم التشريح. لذا، نجد موضوعاته الفنية تظهر غالباً في خضم مجهود بدني جبار، سواء كان ذلك من خلال الإيقاع المنضبط لعملية التجديف، أو عبر التركيز الذهني الحاد والمكثف في ممارسة الطب والجراحة.
تعددت اهتماماته لتشمل آفاقاً واسعة، حيث كانت تجد طريقها إلى لوحاته عبر تصوير الموسيقى، والنحت، والرياضات الخارجية. وقد كان رائداً في استخدامه للتصوير الفوتوغرافي، حيث وظف هذه الوسيلة كأداة عملية لخدمة أغراضه الفنية وتحقيق دقة أكبر في تصوير الحركة. هذا الدمج المبتكر بين التكنولوجيا الجديدة والأساليب التقليدية في الرسم سمح له بمراقبة العالم بوضوح استثنائي لم يكن مألوفاً لدى معاصريه. لقد صبّ جلّ تركيزه على الواقع الملموس لموضوعاته، مفضلاً خشونة التجربة الحقيقية على النسخ المثالية أو الرومانسية للحياة.
أبرز الأعمال والروائع الفنية
لطالما سعت ريشة توماس إيكينز إلى ملامسة تلك النقطة السحرية التي يلتقي فيها الجهد البدني مع التأمل الهادئ. ففي عام 1871، أبدع لوحة ماكس شميت في قارب فردي، وهي عمل فني يجسد العزلة الإيقاعية التي يعيشها المجدف، حيث تعكس اللوحة شغفه العميق بالحركة والتركيز المنفرد الذي تتطلبه هذه الرياضة. ولم يتوقف اهتمامه بالجسد البشري عند حدود الواقعية المباشرة، بل امتد ليشمل عوالم الرمزية التاريخية، كما يتجلى في لوحة ويليام راش ونموذجه (1877)؛ حيث استخدم فيها الجسد الأنثوي لاستكشاف موضوع تاريخي، متحدياً بذلك الأعراف الاجتماعية التي كانت سائدة في عصره.
ولعل التوتر القائم بين الملاحظة العلمية الدقيقة وبين الهشاشة الإنسانية يظهر بأوضح صوره في لوحة عيادة غروس (1875). يقدم هذا العمل رؤية صارمة وصادقة لعملية جراحية، مسلطاً الضوء على التركيز الذهني الحاد للمهنيين الطبيين المشاركين في المشهد، مما جعلها واحدة من أكثر لوحاته إثارة للجدل والنقاش بفضل واقعيتها المباشرة. وفي وقت لاحق، وتحديداً في عام 1887، وجه إيكينز بوصلته الفنية نحو عمالقة الأدب في عصره من خلال بورتريه والت ويتمان؛ حيث ابتعد في هذه الدراسة عن النهج السريري الجاف ليتجه نحو تقديم تجسيد نفسي أعمق لشخصية الرجل، مخلداً الملامح التي نحتها الزمن في وجه عاش حياة مفعمة بالصرامة الفكرية.
القارب ذو المجدافين (1872)
لاعبو الشطرنج (1876)
معلم الكتابة (1882)
المغنية في الحفل الموسيقي (1890)
التدريس والحياة المهنية
لم يتوقف تأثير توماس إيكينز عند الجدران الصامتة لمرسمه الخاص، بل امتد ليشمل قاعات الدراسة حيث كان الجيل القادم من الفنانين الأمريكيين يبحث عن التوجيه والإلهام. ففي عام 1879، تولى منصب أستاذ الرسم والتلوين في أكاديمية بنسلفانيا للفنون الجميلة، حيث كان وجوده بمثابة قوة تحولية، حولت هذه المؤسسة إلى مركز رائد للدراسات الفنية. لم يكتفِ إيكينز بتعليم التقنيات الفنية فحسب، بل كان يفرض فهماً صارماً، يكاد يكون سريرياً، للهيكل البشري؛ وهو التزام بالحقيقة التشريحية وضعه في كثير من الأحيان في مواجهة مباشرة مع الأعراف الاجتماعية والأكاديمية السائدة في عصره.
ولم تكن آفاقه التعليمية محصورة في فيلادلفيا، بل نقل أساليبه المبتكرة إلى رابطة طلاب الفنون في فيلادلفيا والأكاديمية الوطنية للتصميم في نيويورك. ومع ذلك، فإن إصراره على استخدام نماذج عارية تماماً لتسهيل دراسة العضلات والحركة أثار جدلاً واسعاً وعميقاً. أدت هذه المناهج غير التقليدية في نهاية المطاف إلى احتكاك مع زملائه، وانتهت بفصله من معهد دريكسل في فيلادلفيا. ورغم هذه العثرات المهنية وما أعقبها من عزلة اجتماعية في بعض الأحيان، ظل تفانيه في اتباع نهج فني قائم على العلم راسخاً لا يتزعزع.
الإرث والتأثير الخالد
تُقاس قيمة مساهمة توماس إيكينز في السجل الفني الأمريكي من خلال موقفه الصارم الذي لا يلين تجاه الشكل البشري؛ فقد عُرف بكونه أحد أهم الفنانين الأمريكيين، وهو الرجل الذي وضعه التزامه العميق بآليات الحياة وتفاصيلها في مواجهة مباشرة مع حساسيات عصره وتقاليده. ولم يتوقف تأثيره عند حدود اللوحة والقماش فحسب، بل امتد ليشمل الوعي الثقافي الأوسع؛ حيث برزت أعماله كجزء من الحدث الفني في المسابقة الفنية خلال أولمبياد صيف 1932.
ولا تزال بصمته في فيلادلفيا راسخة مادياً في تاريخ المدينة؛ فمنزله الذي استقر فيه في شمال فيلادلفيا، ذلك الصرح الذي شهد تفانيه طوال حياته في صقل حرفته، قد تم اعتباره معلماً تاريخياً وطنياً في عام 1965. وتلا ذلك في عام 1966 إدراج المبنى في السجل الوطني للأماكن التاريخية. إن هذه التكريمات تضمن بقاء المساحة التي درس فيها علم التشريح وطوّر فيها رؤيته الفريدة جزءاً دائماً لا يتجزأ من المشهد الثقافي الأمريكي.
أين يمكن مشاهدة أعماله اليوم
تنتشر الرؤية الفنية لتوماس إيكينز اليوم في عدة مؤسسات كبرى، حيث تتركز معظم أعماله في منطقة الشمال الشرقي من الولايات المتحدة. ففي مدينة فيلادلفيا، يحتفظ متحف فيلادلفيا للفنون بمجموعة هامة من لوحاته، مما يحفظ السجل البصري للمدينة التي صاغت منظوره الفني. كما تجد أعماله مستقرًا لها في مدينة نيويورك، حيث يضم متحف المتروبوليتان للفنون العديد من لوحاته القماشية، بما في ذلك دراسات الحركة والشخصية. كما يضم متحف بروكلين لوحاته ضمن مجموعته الدائمة.
وإلى جانب المراكز الحضرية في الساحل الشرقي، يظل تأثيره محفوظًا في الأوساط الأكاديمية؛ إذ تضم معرض ييل للفنون بجامعة ييل في هارتفورد أعمالًا تعكس التزامه بالدقة التشريحية ودراسة الهيكل البشري. وتوفر هذه المجموعات فرصة لمواجهة دقة ضربات ريشته واهتمامه العميق بميكانيكا الجسد. إن رؤية أعماله وجهًا لوجه هي مواجهة مباشرة مع صدق ملاحظاته وعمق رؤيته.
Max Schmitt in a Single Scull (1871)
The Gross Clinic (1875)
Portrait of Walt Whitman (1887)
Salutat (1898)
المتحف
يُعرض في هارتفورد, الولايات المتحدة الأمريكية
أصول وتاريخ المعرض
بدأت مسيرة Yale University Art Gallery في عام 1832، حيث استندت جذورها العريقة إلى هبة قيمة من مجموعة John Trumbull الفنية. وفي تلك السنوات الأولى، انصبّ التركيز الفني على اللوحات التي توثق أحداث الثورة الأمريكية، حيث شكلت هذه الموضوعات التاريخية المحددة النواة الأولى لما تضمه مقتنيات هذه المؤسسة العريقة.
وتفخر هذه المؤسسة بكونها أقدم متحف فني جامعي في أمريكا، بل وتنفرد بكونها أقدم متحف فني جامعي في نصف الكرة الغربي بأكمله. وما بدأ كمستودع فني متخصص، تطور عبر الزمن ليصبح مجموعة موسوعية شاملة؛ إذ امتد نطاقها الفني ليعبر آلاف السنين والقارات، متجاوزةً بمراحل موضوعاتها الثورية الأصلية لتشمل آفاقاً إبداعية لا متناهية.
إن تاريخ هذا المعرض مرتبط ارتباطاً وثيقاً بالتطور التاريخي للجامعة نفسها، فقد نمت هذه المجموعة من مجرد مقتنيات صغيرة لتتحول إلى تجمع هائل من القطع الفنية النادرة. ويعكس هذا النمو المتواصل التزاماً راسخاً بدراسة الفن والحفاظ عليه، مما يجعل من وجود هذه الأعمال الفنية جسراً يربط الحاضر بالماضي عبر حلقة وصل مستمرة لا تنقطع.
عمارة مباني المعرض
يتجلى الحضور المادي للمعرض من خلال حوار بصري ساحر يجمع بين عصور متباينة؛ حيث تبرز قاعة "ستريت هول" الأصلية، التي صممها بيتر بونيت وايت عام 1867، كنموذج رفيع للعمارة القوطية الجديدة. وتخلق أقواسها الشاهقة ونوافذها المصنوعة من الزجاج المعشق أجواءً من الهيبة والسكينة، مما يمنح هذا الفضاء التاريخي شعوراً بالثبات والوقار، ويرسخ جذور هذه المؤسسة في أعماق القرن التاسع عشر.
وفي تباين بديع مع هذا الإرث، تأتي الإضافة الحداثية التي شُيدت عام 1953 لتقدم منطقاً مختلفاً تماماً من حيث الشكل والضوء. هذا الصرح، الذي أبدعه المعماري لويس كان، يسخر الخرسانة والفولاذ والضوء الطبيعي لخلق بيئة تتسم بالهدوء والصفاء. ويعد السقف رباعي الأوجه، الذي وُضع تصوره بالتعاون مع آن تينغ، سمة بارزة في هذا الفضاء؛ إذ يسمح للضوء المنتشر بالتحليق فوق الأعمال الفنية، مؤكداً على الدقة الهندسية للتصميم. إن التفاعل بين المواد الصلبة والضوء المتغير يخلق مشهداً تأملياً يغمر القطع الفنية المحفوظة في الداخل.
ومع توسعة عام 2012، امتدت رقعة هذه المؤسسة العريقة لتشمل آفاقاً جديدة، حيث وفرت هذه الإضافة قاعات عرض إضافية وحديقة منحوتات على السطح، تطل على الحرم الجامعي والمدينة المحيطة. إن هذا التكامل بين الطبقات المعمارية المختلفة—من الطراز القوطي الجديد إلى الحداثة والمعاصرة—يجعل من العمارة مرآة تعكس الطبيعة المتطورة والمتجددة للمجموعة الفنية نفسها.
مجموعة الفن الآسيوي
تقدم هذه المجموعة تجربة تأملية هادئة تجمع بين ما هو روحي وما هو مادي، وذلك من خلال تشكيلة مختارة من القطع الفنية التي جابت أرجاء القارة. تبرز منحوتات اليشم بجمالياتها الراقية، حيث صُقلت أسطحها بعناية فائقة وبلمسات يدوية متقنة صقلها الزمن. وبالقرب منها، يتجلى حضور المشغولات الخشبية المطلية باللاكر بدقة تقنية مذهلة، حيث تتراكم طبقات الأصباغ والراتنج لتخلق إحساساً بالعمق والخلود.
وتحتل المنحوتات البوذية حيز المكان بوقار وتأمل عميق؛ فهذه التماثيل، التي نُفذت من مواد متنوعة، تجسد تقاليد شرق آسيا من خلال أشكالها ووضعياتها الفريدة. ويسمح وجود هذه الأعمال بالتأمل في الممارسات الروحية التي صاغت تفاصيل إبداعها. وفي زوايا أخرى، تضم المجموعة قطعاً من الخزف الفاخر تصور مشاهد من الفلكلور القديم، محولةً التقاليد الشفهية إلى سرديات بصرية خالدة.
مقتنيات الفن الأوروبي
تفتح المقتنيات الأوروبية نافذة ساحرة على لحظات محورية في تاريخ الفن الغربي. ففي رحاب هذه المساحات، يتجلى عصر النهضة الإيطالية من خلال أعمال فنية تجسد التحول نحو الواقعية الإنسانية. حيث يواجه المرء براعة المنظور في لوحات جينتيلي دا فابريانو، واستكشاف العاطفة البشرية في أعمال أمبروجيو لورينزيتي. وتوجد هذه القطع كحضور هادئ، يدعو إلى دراسة متأنية للتحولات التقنية التي رسمت ملامح ذلك العصر.
كما تضم المجموعة أعمالاً هامة من العصر الذهبي الهولندي؛ حيث يبرز اسم رامبرانت، وتحديداً من خلال تمكنه الفائق من فن الحفر الغائر وقدرته المذهلة على سرد القصص. وتظل لوحته مئة غيلدر نقطة ارتكاز جوهرية لكل من يتأمل دقة خطوطه وعمق تكويناته الفنية. إن وجود مثل هذه الأعمال يتيح مواجهة مباشرة مع تطور فن الطباعة الفنية وتفاصيل التلاعب بـ الضوء والظل.
إحسان القديس مارتن، أمبروجيو لورينزيتي
العذراء والطفل على العرش، جينتيلي دا فابريانو
مئة غيلدر، رامبرانت
مجموعة الفن الأفريقي
تضم هذه المجموعة أكثر من 1,000 قطعة فنية أفريقية، في حضور طاغٍ يعكس التقاليد الفنية المتنوعة التي تزخر بها القارة السمراء. تتجسد هذه الأعمال عبر مواد فنية متباينة، تشمل الخشب، والمعدن، والعاج، والخزف، حيث تحمل كل قطعة ثقل أصلها الخاص، وتمنح الزائر تجربة تأملية هادئة مع الثقافة المادية لمجتمعات إنسانية متعددة ومختلفة.
وتتنوع هذه المختارات لتشمل الأقنعة، والمنحوتات، والمنسوجات، وهي قطع لا تكتفي بكونها مجرد أشياء، بل هي سجلات مادية تجسد المعتقدات والبنى الاجتماعية. ويتيح التنسيق الفني لهذه القطع فرصة لدراسة العلاقة بين الشكل والوظيفة عبر مناطق جغرافية متباينة، حيث يبرز التركيز على الملامس الفريدة للخشب المنحوت والتفاصيل الدقيقة لـ الأعمال المعدنية.
الفن الأمريكي والفنون الزخرفية
تتتبع مقتنيات الفن الأمريكي الهوية المتطورة للأمة عبر الأنماط المتغيرة والمشاهد الاجتماعية المتبدلة. وتنتقل هذه المجموعة من الحقبة الاستعمارية المبكرة وصولاً إلى التجريدات الجريئة في منتصف القرن العشرين. حيث يجد المرء ثقل التاريخ يتجسد في حضور الفضة الاستعمارية المبكرة والوقار الهادئ لمختلف الأشياء المنزلية؛ إذ توجد هذه الأعمال كوثائق مادية لبلاد في طور التكوين، تلتقط لحظات التحول من البدايات الاستعمارية إلى التعبير الحداثي.
وتضم الفنون الزخرفية ما يقرب من 18,000 قطعة توفر سياقاً مادياً لعصور مختلفة. وتشمل هذه القطع الأثاث والمنسوجات والخزف التي تعكس الحياة اليومية والتفضيلات الجمالية للأجيال الماضية. وهناك هيبة خاصة تفرضها هذه المقتنيات، بدءاً من الأنماط المعقدة للأقمشة المنسوجة وصولاً إلى الأشكال الهيكلية للخزائن الخشبية، مما يمنحنا اتصالاً ملموساً بالثقافة المادية للتجربة الأمريكية.
روجر شيرمان، 1721–1793
كاثرين روزن، 1921
ويسترن موتيل، 1957
روائع المجموعة الدائمة
تفرض بعض الأعمال الفنية داخل هذه الجدران نوعاً خاصاً من الهيبة والتركيز؛ فلوحة ضوء الشمس في الكافتيريا (1958) للفنان إدوارد هوبر تقدم دراسة بصرية مذهلة للضوء والفضاء، حيث تجسد لحظة ساكنة من الحياة الأمريكية. وعلى مقربة منها، تبرز كثافة لوحة المقهى الليلي التي رسمها فينسنت ويليم فان جوخ عام 1888، لتضفي نوعاً مختلفاً من الثقل العاطفي، جاذبةً الأنظار نحو استخدامها الفريد للألوان والأجواء المحيطة. إن هذه اللوحات ليست مجرد ألوان على قماش، بل هي حضور مادي يدعو المشاهد إلى تأمل متأنٍ لأسطحها والمشاعر العميقة التي تختزنها.
كما تضم المجموعة نماذج هامة من دراسات المناظر الطبيعية والحياة الحيوانية؛ حيث تقدم لوحة أسد يهاجم حصاناً (1765) للفنان جورج ستابس مواجهة قوية تجسد الحركة والقوة الجامحة. وفي المقابل، تركز لوحة بورت دونان، بيل إيل (1886) للفنان كلود مونيه على التحولات اللطيفة والناعمة للبيئة الساحلية. يشغل كل عمل فني حيزه الخاص بجاذبية فريدة، مما يساهم في إثراء العمق التاريخي والفني لهذه المقتنيات الدائمة.
طبعة المئة غيلدر، رامبرانت
عجل جيرسي، 1893، جون سينجر سارجنت
المجدفون، 1874، توماس إيكنز
حديث، 1895، إدغار ديغا
المعارض والبحث العلمي
تلتزم Yale University Art Gallery بالتزام صارم تجاه تاريخ مقتنياتها من خلال إجراء أبحاث دقيقة حول أصل القطع الفنية وتاريخ ملكيتها. إن هذا الاستقصاء المستمر في جذور المجموعة وضمان تسلسل ملكيتها يضمن نزاهة وأصالة هذه الكنوز الفنية. ويستند هذا العمل الأكاديمي الرصين إلى إمكانية الوصول إلى مكتبة وأرشيف واسع النطاق، مما يوفر الوثائق الضرورية للغوص في أعماق الثقافة المادية التي تتجسد بين جدران المعرض.
أما جدول المعارض، فيفتح نوافذ نوعية على ممارسات فنية ورؤى إبداعية محددة؛ فبدءاً من 27 يونيو 2026 وحتى 6 ديسمبر 2026، سيتم عرض معرض "Print Catalyst @ 30". وخلال الفترة نفسها، سيُقام معرض "W. Eugene Smith وفن الشهادة"، مما يتيح فرصة للبحث المتعمق والتركيز على هذه الموضوعات الفنية المتميزة.
زيارة Yale University Art Gallery
تقع هذه الجوهرة الفنية في مدينة نيو هيفن بولاية كونيتيكت، وتفتح أبوابها للجمهور دون أي رسوم، حيث ترحب بالزوار مجانًا للاستمتاع بكنوزها. تفتح المعرض أبوابها من يوم الثلاثاء وحتى الأحد، بينما تغلق أبوابها في أيام الاثنين، مما يتيح للباحثين وعشاق الفن فرصة ذهبية للتأمل الهادئ والدراسة المتأنية للمجموعات الفنية في أي وقت خلال أيام الأسبوع.
تتشكل تجربة الزيارة داخل المعرض من خلال التناغم الفريد بين بيئاته المعمارية المتنوعة؛ حيث يمكن للمرء أن ينتقل في رحلة بصرية من الأقواس القوطية الحديثة في قاعة "ستريت هول" إلى الفضاءات الهندسية المغمورة بالضوء التي صممها المعماري لويس كان. وفي بعض الأركان، ينساب الضوء الطبيعي عبر السقف رباعي الأوجه ليتوزع بنعومة فوق القطع الفنية، مما يخلق تلاعبًا ساحرًا بين الضوء والظل يتغير مع مرور ساعات النهار، ويغير من إدراكنا للأسطح والأشكال الفنية.
يقدم هذا الصرح الفني مساحات متخصصة لأولئك الباحثين عن تقاليد فنية أو عصور تاريخية بعينها، ومن أبرز الأعمال التي تحتضنها المجموعة الدائمة:
لوحة المائة غيلدر، حوالي عام 1660 - رامبرانت
ضوء الشمس في الكافتيريا، 1958 - إدوارد هوبر
المقهى الليلي، 1888 - فينسنت فان جوخ
بورتريه جين هيبورن، 1918 - أميديو كليمنتي موديجلياني
