الفنان
ولد في فيكيو (إيطاليا), إيطاليا
حياة وأصول جوتو دي بوندوني
برز جوتو دي بوندوني من بين التلال المتموجة القريبة من فلورنسا، إيطاليا، حوالي عام 1267. كان رساماً ومعمارياً قضى حياته في العمل خلال مرحلة الانتقال من العصور الوسطى نحو عصر النهضة. وبينما يحمل اسمه الكامل ثقل نسبه، إلا أنه كان يُعرف غالباً باسم جوتو فقط. وقد تميز حضوره في المشهد الفلورنسي بتحول جذري في كيفية إشغال الشخصيات للمساحة، مبتعداً عن الأيقونات المسطحة ذات الخلفيات الذهبية التي ميزت التقليد البيزنطي، نحو إحساس أكثر ملموسية بالثقل والحضور الإنساني.
لقد كانت حياته متجذرة في الطبيعة التوسكانية، وظل شخصية محورية في الحياة الفنية لمدينة فلورنسا حتى وفاته في 8 يناير 1337. تنقل عبر مدن إيطاليا، تاركاً وراءه آثار يده في مختلف المصليات والأعمال العامة. ولم يكن عمله انقطاعاً مفاجئاً عما سبقه، بل كان تطوراً مستمراً ودقيقاً لكيفية قدرة الضوء والظل على تحديد الشكل. لقد نظر إلى العالم وسعى لالتقاط واقعه المادي، مانحاً موضوعاته إحساساً بالجاذبية ومكاناً ضمن بيئة ثلاثية الأبعاد يمكن تصديقها.
الحياة المبكرة، العائلة والتدريب
وُلد في فلورنسا بإيطاليا، وكان ابنًا لسمير (حداد) يُدعى بوندوني. غالبًا ما تُروى سنواته الأولى من خلال أسطورة الصبي الراعي؛ ففي هذه الرواية، كان يقضي وقته في رسم ملامح الأغنام على الصخور المسطحة. لفتت هذه العادة انتباه المعلم تشيمابوي، الذي اتخذه تلميذًا تحت رعايته. وسواء كانت هذه القصة حقيقة واقعة أم وسيلة لتفسير موهبته الفطرية، فإنها تشير إلى طفولة قضى معظمها في مراقبة حركة الكائنات الحية وثقل أجسادها.
لقد وفر له تدريبه على يد تشيمابوي الأساس التقني لأعماله اللاحقة، حيث بدأ يبتعد عن الأساليب الجامدة والمسطحة التي ميزت ذلك العصر، ليركز بدلاً من ذلك على كيفية إشغال الأشكال للفضاء من حولها. تعلم أن ينظر إلى العالم بشكل مباشر، ساعيًا لالتقاط الطريقة التي يحمل بها الجسد وزنه الخاص. أصبح هذا التركيز على الواقع المادي لموضوعاته السمة المميزة لنهجه الفني؛ فهو لم يكتفِ بمجرد نسخ أيقونات عصره، بل سعى لفهم التشريح والحضور الإنساني للأشخاص الذين كان يرسمهم.
العمل في روما وأسيزي
بحلول نهاية القرن الثالث عشر، تجاوز حضور جوتو دي بوندوني حدود النطاق الفلورنسي، ليمتد أثره إلى آفاق أرحب. ففي الفترة ما بين عامي 1297 و1300، عمل في روما، وهي مرحلة شهدت انخراطه في التعامل مع النطاق الصرحي والمبهر للمراكز الدينية في المدينة. ومن أبرز المهام التي أنجزها في تلك الحقبة إنتاج فسيفساء ضخمة لـ النافيشيلا، التي زينت واجهة كنيسة القديس بطرس القديمة. وقد تطلب هذا العمل نوعاً مختلفاً من الدقة مقارنة باللوحات الجدارية التي ميزت سنوات شبابه، حيث تعامل مع ديمومة الحجر والزجاج لتشكيل ملامح فضاء مقدس.
ولم يتوقف تأثيره عند هذا الحد، بل امتد ليصل إلى تلال أسيزي الساحرة. وبينما لا تزال الطبيعة الدقيقة لمشاركته موضوعاً للنقاش بين العلماء، إلا أن الكثيرين يلمسون بصمته في الفسيفساء الجدارية في البازيليكا العليا للقديس فرانسيس. وفي تلك المساحات، عمل جوتو في ظل الروحانية المتوقدة التي سادت عصره، وكان في ذلك الوقت معاصراً لشخصيات فذة مثل دانتي أليغييري و دوتشيو دي بونينسينيا. لقد ساهم عمله في أسيزي في تحرير الصور الدينية من الأنماط المسطحة والمجردة التي ميزت الماضي، ليركز بدلاً من ذلك على إضفاء إحساس بالثقل والوجود الإنساني الملموس داخل جدران الكنيسة.
تحفة كنيسة سكروفيني
في مدينة بادوا، تبرز كنيسة سكروفيني — التي تُعرف غالبًا باسم كنيسة الساحة — كحاملة للعمل الفني الذي أتمه جوتو دي بوندوني حوالي عام 1305. لقد كلف إنريكو سكروفيني بتجهيز هذا الفضاء، فجاءت الفسيفساء والجداريات الناتجة لتغطي الجدران بسرد قصصي متصل، حيث تتتبع المشاهد حياة العذراء مريم وحياة المسيح. وبدلاً من الخلفيات المسطحة والمثقلة بالذهب التي كانت سائدة في ذلك العصر، نجد الشخصيات هنا تشغل حيزاً يبدو ثقيلاً وواقعياً؛ إذ يمكنك أن تلمس ثقل أجسادهم وطريقة تفاعلهم مع بعضهم البعض من خلال إيماءات بسيطة ومباشرة.
تتحرك الجدران عبر قصص الكتاب المقدس بإحساس عميق بالدراما الإنسانية. ففي مشاهد حياة المسيح، لا تظهر الشخصيات كمجرد رموز مقدسة، بل تحمل الحضور المادي لأشخاص يعيشون مشاعر الحزن أو التأمل الهادئ. ويساعد استخدام الضوء والظل في تشكيل ثنيات ملابسهم وملامح وجوههم، مما يجعل الأحداث المقدسة تبدو وكأنها تقع ضمن بيئة ملموسة ثلاثية الأبعاد، بدلاً من كونها مجرد فراغ روحي بعيد.
إن حجم هذا العمل الفني هائل، حيث يغطي التصميم الداخلي للكنيسة من الأرض حتى السقف. ويحتل مشهد الدينونة الأخيرة جزءاً كبيراً من الجدار، ليقدم رؤية صارخة لنهاية الأيام. تبدو الشخصيات راسخة، وأقدامها تستقر على أرض صلبة، بينما تعكس تعبيرات وجوهها طيفاً واسعاً من العواطف البشرية. إنه المكان الذي يتم فيه تقريب الإلهي إلى مقياس بشري من خلال التطبيق المتقن للون والشكل.
المساهمات المعمارية وفلورنسا
في عام 1334، اتخذت بلدية فلورنسا قراراً حاسماً يتعلق بالمستقبل البصري لكاتدرائية المدينة وخطها الخارجي المهيب. فبعد وفاة أرنولفو دي كامبيو، تم ترشيح جوتو دي بوندوني ليكون خليفته في هذا المشروع العظيم. وقد صبّ الفنان جلّ طاقته في سنواته الأخيرة على تصميم وبناء برج جرس جديد للكاتدرائية؛ هذا البرج الذي كان من المفترض أن يرتفع بشموخ بجانب كاتدرائية سانتا ماريا ديل فيوري، حيث وُضع حجر الأساس في التاسع عشر من يوليو عام 1334.
لقد تميز نهج جوتو في تصميم البرج بابتكارٍ فريد، حيث ابتعد عن الأطر القوطية الهيكلية البسيطة، وبدلاً من ذلك، غلف السطح الخارجي بنمط هندسي ساحر من الرخام الملون، مستخدماً الرخام الأبيض من كارارا، والرخام الأخضر من براتو، والرخام الأحمر من سيينا. ولم يكتفِ بذلك، بل وظّف تقنيات الضوء والظل (الكياروسكورو) ونوعاً من المنظور في تصميمه، ليعامل البناء المعماري وكأنه لوحة فنية مرسومة. يتخذ البرج مخططاً مربعاً، ويصل ارتفاعه إلى 84.7 متراً، وهو مقسم إلى خمس طبقات أفقية. ورغم أن الموت وافاه قبل أن يكتمل العمل ليصل إلى أقصى ارتفاعاته، إلا أن تصميمه للطابق السفلي ظل شاهداً خالداً وجزءاً لا يتجزأ من أفق مدينة فلورنسا الساحر.
التقنية والأسلوب الفني
ابتعد جوتو دي بوندوني عن الأساليب الجامدة والمسطحة التي ميزت معظم فنون العصور الوسطى؛ فبدلاً من الاعتماد على الشخصيات الرمزية البعيدة التي كانت سائدة في التقليد البيزنطي، ركز على بناء هيكل فني واضح وبسيط. لقد سعى إلى تصوير العالم كما تراه العين البشرية، مُدخلاً ممارسة الرسم بدقة من الواقع الملموس. هذا التحول الجذري منح موضوعاته إحساساً بالثقل والحجم، مما جعل الشخصيات تشغل حيزاً ملموساً ثلاثي الأبعاد، بدلاً من مجرد كونها أشكالاً تطفو فوق خلفيات ذهبية صامتة.
تتجلى في طريقة تعامله مع الشخصيات قدرة فائقة على النفاذ إلى أعماق النفس البشرية بهدوء وسلاسة؛ حيث استخدم الضوء والظل لنحت الأشكال، مما منح الجسد إحساساً بالوجود المادي والجاذبية. هذا الاهتمام العميق بالحالة الإنسانية أتاح له نقل طيف واسع من المشاعر من خلال الإيماءات وتعبيرات الوجه. وفي أعماله، لا يبدو الإلهي تجريداً بعيداً، بل كياناً يبدو متجذراً وواقعياً. لقد مهد نهجه الطريق لابتكارات عصر النهضة، دافعاً بالفن نحو تمثيل أكثر طبيعية وتجسيداً للتجربة الإنسانية.
ومن أبرز أعماله التي تجسد هذا التحول:
الصليب (1290)
العذراء في ميسـت (حوالي 1310)
لوحة ستيفانيسكي الثلاثية (1320)
أبرز الأعمال واللوحات الدينية
في صحن كنيسة سانتا ماريا نوفيلا في فلورنسا، تتدلى صليب خشبي ضخم، رُسم بألوان التمبرا والذهب. يعود هذا العمل إلى الفترة ما بين 1290 و1295، ويُظهر جسد المسيح في وضعية طبيعية عمودية؛ حيث ينساب ثقل الجسد نحو الأسفل، مع رأس منحني وضلوع بارزة. وفي القاعدة، يستقر الصليب فوق صخور قاحلة توحي بجبل الجلجثة، حيث يقطر دم المسيح في فجوة تحتوي على عظام آدم.
أما لوحة باديا متعددة الأجزاء، والموجودة حالياً في معرض أوفيزي في فلورنسا، فتُظهر جانباً مختلفاً من قدرته الفائقة على معالجة الموضوعات المقدسة. لقد ركزت أعماله غالباً على التجربة الإنسانية ضمن السرديات الدينية، ويتجلى ذلك بوضوح في لوحة عذراء أونيسانتي، المعروفة أيضاً باسم "العذراء في مجدها"، والتي رُسمت حوالي عام 1310. في هذه القطعة، تمتلك الشخصيات إحساساً بالثقل والحجم، مبتعدة عن الأساليب المسطحة والمزدحمة بالذهب التي سادت في الماضي. كما أبدع جوتو دي بوندوني في رسم مشهد الهبوط إلى الهاوية، وهو مشهد يواصل هذا التركيز على العمق النفسي والحضور الجسدي الملموس.
الصليب (سانتا ماريا نوفيلا)
لوحة باديا متعددة الأجزاء
عذراء أونيسانتي
الهبوط إلى الهاوية
الإرث والتأثير في تاريخ الفن
بدأت الثورة في كيفية تعامل الرسامين مع الشكل البشري من خلال يديه؛ فمن خلال الابتعاد عن الأشكال المسطحة ذات الخلفيات الذهبية التي ميزت التقليد البيزنطي، استطاع جوتو دي بوندوني تغيير مسار الرسم الإيطالي تماماً. لقد قدم طريقة جديدة في الرؤية تركز على الثقل المادي وكيفية استقرار الضوء على الأسطح، مما سمح للفن بالتحرك نحو عصر النهضة، ووضع حجر الأساس للواقعية التي سيبني عليها فنانو العصور اللاحقة. لهذا السبب، غالباً ما يُطلق عليه لقب "أبو الرسم الأوروبي"، لأنه ساهم في نقل الفن من مجرد أيقونات رمزية إلى واقع ملموس يفيض بالحياة.
ويمكن تتبع أثره العميق عبر أعمال الفنانين الذين جاؤوا من بعده؛ فأسلوبه في استخدام الفضاء والتعبير عن العاطفة البشرية قدم مخططاً توجيهياً لكل من ماساتشو وميكيلانجيلو. لقد أثبت أن الشكل يمكن أن يمتلك حجماً ويشغل حيزاً حقيقياً ثلاثي الأبعاد، مما حول المشاهد الدينية إلى تجارب معاشة، حيث أصبحت الشخصيات تمتلك عمقاً نفسياً كان مفقوداً في الأساليب السابقة الأكثر جموداً. لقد جسر عمله الفني الفجوة بين العصور الوسطى وبدايات عصر النهضة، واضعاً معياراً جديداً لكيفية سرد القصص من خلال الثقل البصري والإيماءة التعبيرية.
الصليب (1290)
لوحة ستيفانيسكي ثلاثية الأجزاء (1330)
لوحة بارانتشيلي متعددة الأجزاء (1334)
أين يمكن مشاهدة أعماله اليوم
لرؤية بصمته الفنية عن قرب، يتعين على المرء السفر إلى مدينة بادوا الإيطالية؛ حيث تحتضن كنيسة سكروفيجي تلك الدورات الجدارية الضخمة التي غيرت مفهوم السرد القصصي على الجدران إلى الأبد. إن الألوان وطريقة إشغال الشخصيات للفضاء الفني لا يمكن استيعابها بعمق إلا من خلال الوقوف داخل تلك الكنيسة، فهي مكان يبعث على السكينة، حيث تشعر بأن ثقل الأجساد المرسومة يتجسد واقعياً في مواجهة العمارة المحيطة.
أما في فلورنسا، فلا تزال العديد من أعماله قائمة؛ فلوحة الصليب الموجودة في كنيسة سانتا ماريا نوفيلا تتوسط صحن الكنيسة، وهي تجسد جسداً ينحني تحت وطأة وزنه الخاص، في تحول جذري عن الأشكال الأكثر جموداً التي سادت في الماضي. وبالقرب من ذلك، يضم متحف أوفيزي لوحة Badia Polyptych. إن مشاهدة هذه القطع الفنية في بيئتها الإيطالية الأصلية تمنح الزائر إدراكاً حقيقياً لمدى ضخامة النطاق الذي كان يعمل فيه جوتو دي بوندوني.
وقد انتقلت قطع أخرى إلى مجموعات فنية مختلفة؛ حيث توجد لوحة Stefaneschi Triptych في Vatican Pinacoteca في مدينة الفاتيكان. إن تأمل هذه الأعمال في مواقعها الحالية يفتح نافذة لتتبع كيفية انتقال أسلوبه الفني عبر مختلف الفضاءات الدينية المقدسة.
المتحف
يُعرض في ميونخ, ألمانيا
تاريخ Alte Pinakothek
تستقر Alte Pinakothek في قلب مدينة ميونخ الألمانية، وتعد واحدة من أعرق المعارض الفنية في الوجود، حيث تحتضن بين جدرانها مجموعة فنية مذهلة تمتد من القرن الرابع عشر وحتى القرن الثامن عشر. تعود جذور هذه المؤسسة العريقة إلى عام 1826، حين كلف الملك لودفيغ الأول ملك بافاريا بإنشائها، ليكون هذا الصرح منارة للفن، وقد فُتحت أبواب المبنى أمام الجمهور في السادس عشر من أكتوبر عام 1836، لتبدأ رحلة فنية لا تُنسى.
يعمل المتحف كعنصر جوهري ضمن مجموعات بافاريا الحكومية للرسم، وترتبط أصوله بعائلة فتلسباخ، التي شكلت مقتنياتها الفنية النواة الأساسية لهذه الكنوز. وتضم المجموعة أعمالاً استثنائية من عصر النهضة الشمالية وعصر الباروك، ومن أبرز هذه التحف:
لوحة "إهانة المسيح"، عام 1503 - للفنان ماتياس غرونيفالد
لوحة "معركة الإسكندر في إيسوس"، عام 1529 - للفنان ألبريشت ألتحدورفر
لوحة "صيد الأسد"، عام 1621 - للفنان بيتر بول روبنز
لوحة "صراع الفلاحين"، عام 1631 - للفنان أدريان بروير
لقد حافظت هذه المؤسسة على رسالتها السامية عبر تحولات تاريخية كبرى، لتظل حتى يومنا هذا مستودعاً رئيساً لـ الرسم الأوروبي، منذ أواخر العصور الوسطى وحتى منتصف القرن الثامن عشر.
العمارة والتصميم الكلاسيكي الجديد
بأمر من الملك لودفيغ الأول، صاغ المعماري ليو فون كلينتز رؤية هذا الصرح، حيث استمرت عمليات بناء هذا الهيكل المعماري بين عامي 1826 و1836. وقد جاء التصميم ليعبر عن رفض تام للزخارف المزدحمة التي ميزت أسلوب الإحياء القوطي، مفضلاً بدلاً من ذلك الوضوح والسكينة التي تمنحها العمارة الكلاسيكية الجديدة. هذا الخيار المعماري الرصين يرسخ شعوراً بالخلود والاستمرارية من خلال جدران حجرية ضخمة يصل سمكها إلى متر واحد، مكسوة بالطوب الأصفر المصقول الذي يضفي لمسة من الفخامة الهادئة.
تتجلى عظمة البناء في أبعاده المهيبة؛ فهو يمتد على طول 150 متراً، ويرتفع ليصل إلى 25 متراً، بينما يبلغ عرضه 50 متراً. أما في الداخل، فتتجلى عبقرية التصميم في الدمج المتناغم للمناور السقفية، التي تغمر القاعات بفيض من الضوء الطبيعي، مما يتيح للوحات الفنية أن تتنفس وتُعرض في ظروف ضوئية تبرز ملامسها الأصلية وألوانها الحقيقية بكل جلال.
الصمود وإعادة إعمار المبنى
تتسم تاريخية هذا الصرح بآثار عميقة من الدمار الهيكلي الذي طال أركانه؛ فخلال الحرب العالمية الثانية، خلفت الغارات الجوية العنيفة دماراً جسيماً في أروقة المتحف، مما ترك فجوة هائلة بعرض 45 متراً في قلب المبنى. ولم تكن عملية إعادة الإعمار التي تمت بين عامي 1952 و1957، تحت إشراف هانس دولغاست، مجرد عملية ترميم، بل كانت قراراً فنياً وفلسفياً، حيث اتُّخذ القرار حينها بعدم استعادة التصميم الداخلي المزخرف الذي كان سائداً قبل الحرب، مما أدى إلى خلق أجواء أكثر حداثة وبساطة داخل القاعات، تمنح الفن مساحة للتنفس بعيداً عن صخب الزخرفة القديمة.
ولم تتوقف مسيرة العناية بالمبنى عند هذا الحد، بل استمرت التحديثات التقنية لضمان صون هذه المجموعة الفنية الثمينة. فقد شهدت التسعينيات عملية تجديد وتحديث شاملة للمرافق، تلتها في عام 2007 مرحلة أخرى من الترميم ركزت بشكل أساسي على كفاءة استهلاك الطاقة واستقرار المناخ الداخلي. وتعد هذه الإجراءات الدقيقة ضرورية لضمان بقاء البيئة المحيطة مثالية وملائمة للحفاظ على الأعمال الفنية الرقيقة المرسومة بأسلوب الزيت على القماش والمحفوظة بعناية فائقة داخل هذه القاعات.
مجموعة اللوحات الأوروبية
تضم هذه المجموعة الساحرة أكثر من 700 عمل من أعمال الرسم الأوروبي، والتي تمتد عبر قرون من الإبداع من القرن الرابع عشر وحتى القرن الثامن عشر. وقد استمدت هذه المقتنيات عراقتها في الغالب من الكنوز الفنية لعائلة فورتلسباخ، لتشكل جزءاً من إطار مؤسسي أوسع؛ حيث تدير مجموعات بافاريا الحكومية للرسم أكثر من 25,000 عمل فني موزعة عبر منصاتها المختلفة.
وتحتضن هذه الأروقة واحدة من أكبر المجموعات الفنية التي رسمها ألبريشت دورر وبيتر بول روبنز، حيث يمثل هذان الفنانان ركيزتين أساسيتين في تركيز المتحف على التقاليد الفنية الشمالية والفلمنكية. إن هذا الانتقاء المتقن للأعمال يعكس ببراعة مسار تطور الفن الأوروبي عبر عدة قرون من التطور التقني والجمالي المذهل.
السخرية من المسيح، 1503 - ماتياس غرونيفالد
العذراء والطفل (عذراء تيمبي)، 1508 - رافاييل
صيد الأسد، 1621 - بيتر بول روبنز
بورتريه ذاتي، 1629 - رامبرانت فان راين
صراع الفلاحين، 1631 - أدريان بروير
روائع Alte Pinakothek
تضم المجموعة أعمالاً فنية استثنائية تجسد التقاليد الفنية الشمالية والإيطالية في آن واحد. ففي لوحة السخرية من المسيح (1503) للفنان Matthias Grünewald، نجد تجسيداً حسيّاً عميقاً لـ الواقعية التي ميزت عصر النهضة الشمالي. وبالقرب منها، تطل علينا لوحة معركة الإسكندر في إيسوس التي رسمها Albrecht Altdorfer عام 1529، لتقدم رؤية فريدة لـ السرد التاريخي من خلال منظور خاص يعتمد على دقة التكوين وضخامة المشهد. وتأتي هذه الأعمال كجزء من نظرة فاحصة ومركزة على تطور الفن الأوروبي الذي تحتضنه جدران هذا المتحف العريق.
وتتجلى روح عصر الباروك في الطاقة الديناميكية التي يبثها Peter Paul Rubens، ولا سيما في عمله الشهير صيد الأسد عام 1621. وفي الحقبة ذاتها، تبرز تجربة مبكرة في استخدام تقنية "الكياروسكورو" (التضاد بين الضوء والظل) في لوحة بورتريه ذاتي في سن السابعة والعشرين (1629) للفنان Rembrandt van Rijn؛ حيث يوظف الظلال العميقة لنحت ملامحه، مما يخلق حضوراً ملموساً يكاد ينطق من فوق القماش. ويظل التلاعب بـ الضوء والظل موضوعاً تقنياً محورياً يتردد صداه عبر أروقة المعارض.
كما تحتل الموضوعات الدينية والتعبدية مكانة مركزية في مقتنيات المتحف؛ حيث تمثل لوحة madonna canigiani (1507) للفنان Raphael، ولوحة البشارة للفنان Rogier van der Weyden، نهجين مختلفين في تناول الموضوعات الروحية والنزعة الإنسانية. ويسمح التنسيق الفني للمتحف بإجراء مقارنة مباشرة بين هذه التطورات الأسلوبية المتمايزة.
السخرية من المسيح، 1503 - Matthias Grünewald
صيد الأسد، 1621 - Peter Paul Rubens
معركة الإسكندر في إيسوس، 1529 - Albrecht Altdorfer
البشارة - Rogier van der Weyden
madonna canigiani، 1507 - Raphael
بورتريه ذاتي في سن السابعة والعشرين، 1629 - Rembrandt van Rijn
زيارة المتحف
تقع Alte Pinakothek في منطقة كونستآريال (Kunstareal) النابضة بالحياة في مدينة ميونخ الألمانية. ويمكن للزوار التخطيط لزيارتهم وفقاً للجدول الأسبوعي المعتمد؛ حيث يغلق المتحف أبوابه في أيام الاثنين، بينما تفتح المعارض أبوابها يومي الثلاثاء والأربعاء من الساعة 10:00 صباحاً وحتى 8:00 مساءً. أما خلال بقية أيام الأسبوع، بما في ذلك الخميس والجمعة والسبت والأحد، فيعمل المتحف من الساعة 10:00 صباحاً حتى 6:00 مساءً.
وللباحثين عن تجربة اقتصادية في أيام الأحد، تبلغ رسوم الدخول يورو واحد فقط للشخص الواحد. وقد صُمم المبنى ليكون متاحاً للجميع، حيث توفر المصاعد المتعددة إمكانية الوصول إلى جميع مستويات المعارض. كما يحرص المتحف على راحة الزوار ذوي القدرة المحدودة على الحركة، حيث يوفر كراسي قابلة للطي وخفيفة الوزن، بالإضافة إلى كرسيين متحركين عند الطلب من مكتب الاستعلامات. وتوجد غرفة حفظ الأمتعة في الطابق الأرضي، حيث يمكن إيداع السترات والحقائب مقابل رسوم قدرها يورو واحد للشخص، كما تتوفر خزائن مخصصة لاستخدام الزوار.
The Mocking of Christ، 1503 - Matthias Grünewald
Madonna and Child (The Tempi Madonna)، 1508 - Raphael
The Lion Hunt، 1621 - Peter Paul Rubens
The Battle of Alexander at Issus، 1529 - Albrecht Altdorfer
Self Portrait، 1629 - Rembrandt van Rijn
